初中美术教案大全11篇

初中美术教案篇（1）

青少年时期，正是学生思想从认识走向形成的阶段，是世界观、人生观、价值观初步确立的阶段，引导学生感受、观察、体验面具脸谱文化，在案例背景指导下，通过理论指导、教学方式、面具文化，结合教材分析制订出切实可行的教学方法。通过教学实践达到自己预想的效果，通过专家的评课和自己的案例反思总结出存在的问题，并进行改正。

一、案例背景

在案例的背景下，《角色的游戏》这节课将改变传统的技法学习，从理论指导到教学方式以及面具文化进行调整，让学生感受、观察、体验面具脸谱文化。

理论指导：新的美术课程标准强调美术学习应当从单纯的技能技巧学习提高到美术文化学习的层面。美术教学要创设一定的文化情景，增加文化含量，使学生通过美术学习，加深对文化和历史的认识，加深对艺术的社会作用的认识，培养正确的文化价值观、文化涵养及人文精神。新的课程标准主要是要打破传统的训练，增加更多的文化内涵，培养学生的文化内涵精神。

二、教材分析

本课的设置，改变了以往课程中只侧重于面具的制作技术，而忽视对美术文化的学习，引导学生关注在人类社会的发展进程中，面具的由来、演变和不断变化的过程，了解不同国家、地域、民族对面具的理解以及出于这种理解的不同的情感、态度和审美习惯。本课与中国传统瑰宝脸谱紧密联系起来。了解脸谱的造型特点、脸谱表现三国时人物形象特征和性格特征的常用手法，通过体验脸谱的色彩和造型，进一步认识、理解脸谱深刻的中国文化内涵。

《角色的游戏》一课，安排了面具的由来、发展、功能等内容，让学生了解面具的文化、历史，同时让学生了解现代生活中面具的主要功能、面具的特点及面具的制作方法，让学生在活动中体现脸谱的功能以及脸谱给学生带来的乐趣。

教学目标：

（1）通过对面具艺术的欣赏，培养学生丰富情感的表达方式和审美习惯，认识面具的演变、发展过程，了解面具与人类、与社会发展的关系，从文化、民族、宗教等多角度认识面具艺术，从而进一步了解面具的文化内涵。

（2）通过对京剧脸谱面具艺术的欣赏，分析脸谱面具的造型、色彩，了解面具的设计特点和造型方法，了解面具在表现人物外形特征和性格特征上常用的方法，培养学生的审美能力。

（3）初步学会脸谱面具的设计与制作。选用恰当的材料，运用彩绘等技法，设计制作平面或立体的面具。在与同学合作完成作业中，锻炼协作能力，培养互助精神。

（4）通过京剧自编自演面具表演活动，增进同学之间的友谊，使学生体验脸谱面具带给自己的乐趣，培养学生的丰富情感，感受脸谱面具独特的艺术魅力。京剧脸谱作为一种中国独有的艺术，已经成为世界的艺术瑰宝。

（5）激发学生的想象力与创造力。培养学生爱国思想、自我规划、组织的能力。

三、教法分析

教学过程分为三个部分：

1.感受做先导

2.观察为铺垫

3.了解面具

四、反思

这是一节教学展示课，通过认真的反思，发现了一些问题：首先京剧脸谱文化博大精深，如何和学生的表演切入点进行完美的对接是我苦思冥想的问题。在这个思考过程中，我和音乐老师进行了深入的交流和沟通。我认真揣摩人物形象如何用肢体语言更加生动表现出来。其次，学生活动设计过程，也发现一旦想法变成现实时，一切应该想得更加细致，因为我们不知道会有什么情况发生。发生后如何更快、更好地解决，而不会影响我们的本意和想达到的目的。

通过各位专家老师对我的指导评价及自己对教学视频的反思和对教学案例的研究，我觉得自己还有不少不足的地方。我会在日常教学工作中，多向各位老师、专家请教，多看一些教学上面的论文杂志等资料，大量拓展自己的知识，拓展自己的思维，多实践、多总结，使自己得到更大的锻炼和进步！

参考文献：

［1］宋金华.面具的设计与制作.江苏教育出版社，2006.

［2］何俊.中学美术体验性教学的探究.福建师范大学学位论文，2011.

［3］焦艳.京剧进课堂的实践与体会［J］.青海教育，2011（2）.

初中美术教案篇（2）

面对新课改提出的号召和要求，广大教育工作者应该作出积极的应对。想要在新课标的背景下加强初中美术课堂的教学效果，教师应该和学生们一起学习，共同进步，从而激发学生的积极性；鼓励学生对教学内容做出自主学习和研究，并在这一过程中充当引导者的角色；合理运用多媒体，实现美术教学多元化；积极鼓励学生，帮学生树立对美术学习的信心；还应该增加课堂时间，增加美术课堂的趣味性。只有真正地从学生的角度思考，尊重学生的想法，重视学生的课堂主体地位，才能实现初中美术教学的成功创新。

一、初中美术教学模式创新的意义

美术教育能够提高学生的审美能力、想象能力、创新能力以及动手操作能力，对于培养学生的整体素质具有重要作用。长期以来，初中美术教育没有发挥其真正的教学价值，因此初中美术教育工作者应该展开教学模式创新，充分调动学生积极性，培养其审美情趣，使初中美术教育得到真正的发展。

二、初中美术教学模式创新策略

（一）“导学案”教学方式

“导学案”是新课标理念下的一种全新的教学方式，具体操作过程是教师制定与教学内容相关的学习方案，并在师生的合作下共同完成。这种教学方式的优点在于能够培养学生的自主探究能力，提高学习效率。与传统教学方法相比，“导学案”能够大大提高学生的教学参与积极性。在初中美术教学中运用“导学案”这一教学方式，能够使学生更加积极主动地学习美术课程。

初中美术教育工作者在编写“导学案”时，首先要认真备课，做到对教学内容的充分了解；其次，还可以组织美术教师以小组为单位，共同加入到“导学案”的编写当中。在展开教学活动之前，教师应先把撰写好的初“导学案”分发到同学手中，并了解学生的意见，实现对教案的进一步完善。在课程结束后，教师还可以听取学生的反馈，并针对教学过程中的不足做出反思和总结，为今后的美术教学活动提供参考。

（二）师生互换角色

新课程标准的一个重要理念就是强调学生的课堂主体地位。这就要求美术教师在课堂中对学生的感受和需求做到充分重视，让学生从被灌输者变为主动学习的探究者。因此，师生互换角色是一种非常有效的教学方式。这种教学方式的重点是，教师要以引导者或者伙伴的关系辅助学生对美术知识展开学习探究，从而调动起学生的学习热情，并且营造出热烈的课堂氛围。

例如，教师可以组织学生展开著名艺术家专题讲座活动，让学生自行分组并确定研究主题，并通过收集网络、书籍等资料对某个艺术家的特点、生平做出讲解。在这一过程中，教师不应作过多的干预，而是应给予学生充分的信任，并在学生遇到困难时做适当的指导。初中生具有很强的表现欲望，为了能够更好地讲解自己的主题，往往会认真了解知识，尽最大努力向同学们传授知识。这样一来，就很好地通过师生互换角色来学习美术知识。

（三）合理运用多媒体教学

在当代的课堂上，多媒体教学的使用已经成为一种普遍现象，这种教学手段也为课堂教育带来了活力。但是在很多课堂中，多媒体的运用并不恰当，或是只运用PPT，把多媒体变成电子板书；或是舍本逐末，过于追求多媒体这一形式，把课堂变成万花筒，但是实际传达的内容并不多，学生们只记住了眼花缭乱的表现形式，没有记住要表_的实质。

在新课标下的初中美术教学，应当合理运用多媒体。首先，美术这一科目的特点决定了教师在课堂上要向学生展示大量图片，这一点通过多媒体是很容易实现的。但是多媒体投影往往会对画作的色彩产生一些改变，如果教师对画面色彩的要求较高，不妨仍采用教科书的插图向学生们进行展示。其次，教师还可以在学生欣赏美术作品的同时，播放合适的音乐。如在欣赏一些古典画作时，播放古琴曲《鸥鹭忘机》《酒狂》等，从而让学生感受到艺术的趣味与意境。

（四）通过艺术的点评形式提高学生的积极性

教师在初中美术教学中，具有非常重要的引导地位，教师的鼓励能够使学生提高对美术这门课程的学习兴趣，树立起欣赏艺术和创作艺术的自信，使学生对美术有更大的学习热情。

教师既要运用专业眼光对学生的作品和见解做出合理的点评，也要充分尊重学生的劳动成果，初中生的自尊心很强，如果教师的语言不当，会打消他们的学习积极性，甚至让学生丧失接触艺术的信心。学生的资质不同，表现出来的制作、欣赏水平也就不同。

（五）增加教学实践活动

在传统的初中美术教学中，教师只是刻板地布置作业，例如给出绘画“标准”让学生们临摹，并且监督学生完成作业，这样的教学方法会让学生的创造能力和想象能力受到束缚。学生只能运用所学的有限经验，一旦离开课本，就没有发挥的余地。

为了改变这种现状，教师应该在教学中增加实践活动，除了一些传统的课堂活动外，教师还应该大胆带领学生走出课堂。如带领学生参观陶艺作坊，参观美术展览，到户外进行写生，或者组织学生展开摄影比赛，服装搭配比赛等。让学生感受到美术这一科目的独特魅力。

面对新课改提出的号召和要求，广大教育工作者应该作出积极的应对。想要在新课标的背景下加强初中美术课堂的教学效果，教师应该和学生们一起学习，共同进步，从而激发学生的积极性；鼓励学生对教学内容做出自主学习和研究，并在这一过程中充当引导者的角色；合理运用多媒体，实现美术教学多元化；积极鼓励学生，帮学生树立对美术学习的信心；还应该增加课堂时间，增加美术课堂的趣味性。只有真正地从学生的角度思考，尊重学生的想法，重视学生的课堂主体地位，才能实现初中美术教学的成功创新。

参考文献：

[1]吴桂红.新课标下初中美术教学模式创新探究[J].新课程学习（中），2014（6）.

初中美术教案篇（3）

初中美术教学现状中存在众多不足，在美术合作学习中缺乏相应的合作学习条件与氛围等，导致合作学习效果不理想，同时合作学习内容也不能满足学生的学习需求，这在一定程度上阻碍了学生合作学习兴趣的产生，无法使学生积极参与到合作学习中，不利于初中美术教学的发展，因此，本文分析了初中美术合作学习应用现状，并提出了合作学习在初中美术教学中的应用。

一、初中美术教学中合作学习的应用现状

首先，合作学习内容是影响学生合作学习兴趣的关键，目前初中美术教学合作学习现状存在合作学习内容制定不科学的现象，进一步使学生对合作学习内容缺乏兴趣，导致合作学习效果不佳，初中美术教师在设置合作学习内容时没有按照学生的能力水平与个体差异化进行，将合作学习的内容固定在教学任务上，部分教学内容过于复杂，部分学生对过于复杂的合作学习内容缺乏耐心，还有些教学内容难度较大，使学生在合作学习中常常遇到困难不知如何着手解决困难，严重打击了学生学习的积极性，又有些教学内容过于简单，根本就无法激发学生的学习兴趣，合作学习内容的设置影响了学生的积极性[1]。其次，合作学习的形式比较单一，合作学习的特点不突出，大多数的美术合作学习都在传统教学基础上进行，在教师滔滔不绝的讲授之后，使学生进行简单的合作讨论，这种合作形式仍然摆脱不了被动学习的局面，使学生在合作学习中缺乏自主性和创造性。第三，初中美术教学中学生缺乏合作学习的环境与合作学习的机会，部分初中美术教学课堂空间有限，在有限的空间内，学生无法开展合作学习，有些学校虽然有足够的合作学习空间，但，教师认为初中学生自我约束能力较差，一旦给他们合作学习机会，学生势必会利用学习机会开小差做其它事情，因此，教师为了维持课堂秩序，没有为学生创造合作学习的机会，不利于学生合作学习意识的培养。

二、合作学习在初中美术教学中的应用

1、科学设置合作学习内容

科学设置合作学习内容是保证合作学习有效开展的关键，因此，合作学习在初中美术教学中的应用，需要初中美术教师根据美术教学内容以及学生学习需求，科学设置合作学习内容[2]。例如，在初中美术《劳动—人类创造力的源泉》教学中，教师应通过“观赏与描述”部分为学生创设合作学习内容。教师先为学生搜集一些国内外有关劳动的美术著作，通过多媒体进行展示，使学生对画中劳动人民进行观察，观察每一幅画面中不同劳动者的形象与神态，之后教师再使学生合作学习，合作学习的内容是，使小组学生分别对“清明上河图”中的劳动人民进行观察，并记录下不同人物的不同劳动对象、人物形象与神态，学生在教师引导下开始观察著作，对清明上河图中一千多个人物进行观察和记录原本是一项比较复杂的任务，但由于画面中每个人物都不同，这使学生产生了兴趣，学生积极参与到合作学习中，在完成任务的过程中，学生掌握了一些人物绘画的基本要点，有效的加强了合作学习效果。

2、创新合作学习形式

传统、单一的合作学习模式，会使学生对合作学习产生厌倦心理，因此，教师应不断创新合作学习模式，通过丰富的合作形式提高学生合作学习的积极性[3]。例如，在初中美术《我们的画展》教学中，教师可以将学生科学分成两组，每组学生设计一个画展方案，看哪一组学生设计的好，教师就考虑借鉴哪一组学生的方案为学生们开办一个小型画展，两组学生在教师的指导下，课下分别通过各种途径，翻阅与查找有关画展设计的案例，并根据学校美术教学具体情况，进行画展设计，在画展设计时充分结合小组每一位学生的设计建议，最终将小组学生科学、合理的建议一并体现在画展设计方案中，最后将方案交给教师，使教师公平、公开的对两组方案可行性进行评论，教师评论时允许两组学生参与其中发表自己的独特见解，最终定夺方案，教师也可以将两组方案中的优点取出，设计一个更加全面的方案，该合作学习形式充分提高了学生学习的积极性，也体现了以学生为主体的美术教学目标。

3、创造合作学习氛围

创造合作学习氛围主要从两方面入手，首先，学校应重视美术教学，为学生合作学习创造条件，增加美术教室的面积，为学生提供一个明亮宽敞的美术教师，此外还要配置配套的美术教学设施，使学生在良好的环境中学习美术。其次，美术作为一门素质学科，不应单纯的以提高学生认知能力为主，还要重点培养学生的合作学习能力与鉴赏能力，教师在教学中要为学生不断创造美术教学条件，为学生提供一个相互交流与学习的平台。例如，在初中美术教学中，教师应在课前为学生创设知识巩固合作机会，在教学过程中，使学生相互展示美术作品，并对彼此的作品进行赏析，客观的提出对对方作品的看法，在课后，教师要科学合理的布置小组学习任务，使学生养成合作学习的习惯，以此培养学生合作学习能力，久而久之，学生在教师的引导下逐渐产生了自主合作学习的欲望，在自主合作中不断学习彼此优点，完善美术学习能力，有效提高了初中美术教学效率。综上所述，合作学习在初中美术教学中的应用，使学生在合作中学习与欣赏美术，提高学生对美术的认知程度与学习积极性，使学生在合作学习中感受实际操作的快乐与成就感，以此加强学生个性化发展，全面培养学生综合素质，为提高初中美术教学效率奠定坚实基础。

作者:罗甫坤 单位:贵州省黔西县甘棠中学

参考文献:

初中美术教案篇（4）

学案导学的方式在中小学各学科已被广泛使用，不同学科的老师仁者见仁、智者见智。学案是新型的教学观念和教学方式，是课前教师设计教学活动，学生拿到学案预习到练习的全过程。针对美术学科特点，在学案设置上要求教师根据美术学科四个领域的不同特点编写具有针对性的学案。我校美术学科导学案是在不断摸索和实践中编写出来的：从初步拟定学案、课堂教学实施、学生问卷调查、反馈修改完善，学案之路经过了艰难的历程。针对美术课四种课型我们进行了初步探索，同时暴露出一些问题。

一、欣赏·评述：引导练习效果好，活动检测形式需思考。

欣赏·评述学习领域指学生通过对自然美、美术作品和美术现象等进行观察、描述和分析，逐步形成审美趣味。针对这个领域的内容，在学案的设置上除注意引导学生掌握基本的美术欣赏方法外，更要通过有效的学案环节设置使学生在欣赏的同时，尝试用多种方式表达自己的感受和认识。

从课堂观察来看，欣赏·评述课运用导学案上课的成效有：1.“高效利用课堂”：学生能根据学案提示对本节课的内容和知识点有一个较为清晰的认识，在课前预习时做到有的放矢。2.学生对美术课关注度更高，导学案中带有一定检测性的小练习让学生学习兴趣更为浓厚。3.学生能了解更多的美术常识，为高中美术鉴赏课的学习打下基础。4.课堂反馈“有据可依”，在导学案最后我设计了学生个人的“课堂反思”。通过课堂的书面反馈，教师能及时发现问题，在接下来的讲课时给予一定补充。在学案设计上也存在一些问题，如文字性描述教多，注重美术知识点的整理和类似于文化课的理性化设计，没有很好地突出美术学科的特点。通过何种方式呈现学生学习效果，将美术欣赏与评价活动设置得更贴近学生生活也是值得思考的地方。

二、造型·表现：教学方法与学案评价巧妙结合。

“造型·表现”领域的课程指运用多种媒材和手段进行美术创作。在《一版多色版画》这节课，导学案的设计与教学过程紧密结合，注重学生学习的评价。在本节课学案中对本课重难点，吹塑纸版画的制作步骤及印刷注意事项，学案中有清晰说明。采用的是“先学后教”的教学方式，学生根据学案制作步骤指导，以“小组合作探究的方式”先尝试制作，之后针对制作中出现的问题教师集中讲解。在导学案中设置学生作品评价表，供版画作品评价环节中学生互评：6人一小组，组员互评（作品内容表达、造型、色彩搭配布局、制版印刷技法）。通过学案中评价表，这种学生自评的方式，学生懂得了如何更好地从艺术角度评价版画作品，较好地实现了生生互评的有效性，节省了课堂时间。

三、设计·应用：学、练结合效果好，作业形式分层次

“设计·应用”课型重在对学生设计意识和动手能力的培养，学案中作业形式和学案设计可以融为一体。如《居室的色彩搭配》这节课，作为“色彩搭配”知识的一个重要部分，能否把“学”与“练”在学案中一起体现呢？根据教材及学情，本节课导学案的设计集中体现了学生自学预习和练习结合的特点。在导学案“展示提升”中：1.为居室线稿进行色彩设计；2.设计你理想的居室并进行色彩设计。这里作业设计体现分层次教学，不同能力水平的学生可根据线稿提示或自己独立设计居室进行练习，练习部分占据导学案的半页纸。这种学案的设计学生能比较轻松地接受，学练结合突出了美术学科导学案的特点。

四、综合·探索：有一定主体倾向性的设计，体现美术学科的综合特点。

综合·探索是四种课型中综合性最强的美术活动，体现了美术与生活与现实社会的联系。在现实教学中，综合·探索课往往被教师“忽略”，原因就在于其复杂性，难以给它一个确切的学习标准，学生的学习体验在课堂上很难呈现。在导学案的设计上，教师感觉延伸的面很广无从下手。那我们何不从课程本身入手，把学案设置成具有一定内容倾向性和学科性的表达呢？如《旅行团的标志和旗帜》、《文化衫的设计制作》、《吉祥物的设计》这些课程，在学案的设置上可以把它划分为侧重于设计性的课程，学案中做相应的环节设计；如《策划一次出游》、《艺术节策划与美术设计》则偏向于学生活动策划类的学习，学案中学生对一个活动的组织、合作、交流的体现就多一些。在综合·探索课学案设计中，通过何种形式把“复杂”到“某一领域类型”或“学科”内容的转换是值得思考和不断探索的地方。

五、回归本质，倾听学生的心声。

学案从学生中来，最终到学生中去，对学案最客观直接的评价就是学生。在学案实施中期，我校对美术学案进行了问卷调查。学生的整体配合度很高，能够根据上学期对美术课学案的应用形成客观评价，针对学案怎样改进，很多学生给予了一些建设性意见：1.有学生认为学案“图文结合”的形式很好，希望在形式上更多样。2.有学生建议在学案中加入一些名画赏析或者知名画家的介绍，可以增加美术常识。3.关于导学案中根据课题内容设定的线稿、图例的练习，大部分学生认为很好。这次问卷调查很有必要而且很及时，我们及时做了学案修订。新学期的学案设计逐渐呈现知识内容简化、清晰；形式丰富化、图文并茂；文字性叙述较少，深入浅出的表达更亲生；作业设计分层设置，针对不同水平的学生。

不少美术老师在思考美术课是否适合运用学案，我们“费尽心思”设计出的学案学生是否“领情”。我认为美术课并不是不适合用学案，其重点是美术不同领域学案设计侧重点的把握。如何通过学案引导使学生对美术课乐学、爱学、会学，这就要求我们在学案的设计上体现学科特色。真正实现学案与课堂的“学思结合，知行统一”，通过课堂的继续实践和学生的观察逐渐完善和发现。不管怎样，最重要的还是聆听学生的声音，使学案真正服务学生，服务课堂学习。

参考文献：

初中美术教案篇（5）

从晚清洋务运动到20世纪40年代，我国工艺美术教育主要经由5条办学道路曲折地发展。包括晚清的洋务学堂，外国教会学校的工艺传习所，清政府“新学”中的中小学教育和师范教育，民国前后实业教育中的各种习艺学校，以及一批留日留欧学生回国后，在高等美术院校创办的工艺美术教育。不同的办学道路缘于不同的目的需求，采取不同的教育形式，其中工艺教育、手工教育和图案教育是这期间主要的教育形式。

工艺教育：清末民初各种形态的工艺教育，孕育了中国艺术设计教育的产生。为培养工厂、机器生产所需要的熟练工人和专业技术人才，继洋务运动的工艺学堂和教会创办的工艺院之后，不少工科学堂开设与技术、工艺相关的课程，中国学校式工艺教育随之兴起。工艺教育不同于艺术设计教育，它出现早、概念比较含糊，其宽泛程度几乎涵盖了所有的工艺技术和造物领域，突出职业性、生产性，具有专业教育和职业技术培训的特点，成为不同性质、不同专业细化了的各种职业教育形式。而艺术设计教育是现代化大生产和商品经济的产物，是随着社会、生产分工的深化逐渐从工艺教育中分离出来的，并逐步形成自身特色和独立的体系。工艺教育作为艺术设计教育的萌发形态，在世界各国的设计教育初期都曾出现过，为艺术设计的产生准备了条件。

手工教育：为补充工艺教育的不足，1903年清政府于中、小学及初、优级师范学堂加设手工课，第一次以国家名义对工艺教育、手工教育的专业设置作了具体规定，包括土木、窑业、染织刺绣、金工、木工、漆工、电器、机器、造船和图稿绘画等科目。专业涉及整个工业部门，其中相当一部分专业与艺术设计联系密切。尤其图稿绘画科，突破了传统生产模式，反映出设计与制作相分离的工业化生产特征。我国手工教育的普及是在1905年清政府废科举、正式实行新教之后，为解决中小学美术师资困乏，1906年南京两江优级师范学堂率先将原有的图画手工课，晋升为图画手工科（专业），开设素描、水彩、油画、中国画、用器画、图案画及金、木、竹、漆等工艺类课程，开启中国新式美术教育的先河，标志我国专业化手工教育的开始。此后，各类新式学堂大都设立此类课程或专业。手工教育是在实现工业化过程中形成的，这种生产与教育相结合的办学方式，是传统师徒制向现代学校教育的过渡。手工教育作为普及性基本技能教育，主要在中、小学和师范教育中开展。手工教育重技能培养，与追求创造精神的艺术设计有根本区别，但是他们之间部分目标、教学内容和工作对象是相通或相同的，是设计教育萌发期的重要组成部分。

图案教育：与职业性工艺教育和普及性手工教育不同的是图案教育。辛亥革命后，中国新式美术教育迅速发展，除原来的师范类美术教育外，一批独立的艺术院校应运而生，成为中国艺术型设计教育的重要源头。1918年我国第一所国立美术学校北平美专成立，设有中国画科、西洋画科和图案科系，是中国图案教育的发端，此后图案教育在整个民国时期发展迅速，1921年上海美专增设工艺图案科，1928年林风眠等创建杭州国立艺专，下设绘画、雕塑、图案三个专业系。“图案”作为艺术设计的专用名词源于日本。我国最早留学日本、从事图案教育的陈之佛曾将图案解释为“制作用于衣食住行上所必要的物品之时，考虑一种适应于物品的形状、模样、色彩，把这个再绘于纸上的就叫图案。”这里的图案是制作物品之前的设计稿，已经是从传统手工制作中分离出来的设计了，与今天的“艺术设计”很接近，与工业设计大致相同。但是，这种设计与制作的人为拨离，和“图案”一词字面的局限，致使图案经常被理解成“装饰纹样”，随之缩减为纯粹纸上的纹样训练，最终被工艺美术教育所取缔。因此，图案教育并不等同于艺术设计教育，而是设计教育的雏形和初期阶段。清末民国50年，尽管出现了各种艺术设计教育的形式或征兆，也培养出一批专业人才，但教育规模小、分散，社会影响不大，不足以推动行业及教育的发展，传统“艺徒制”仍然是技艺传承的主要形式，而图案教育的纸上谈兵，手工教育和工艺教育的重技轻艺、忽视创意，都反映了设计教育初年，曲折的经历及举步维艰的初创局面。

艺术设计教育探索阶段的工艺美术教育

1949年新中国伊始百废待兴，工艺美术作为出口创汇和文化事业受到重视和保护。全国性工美行业调查，国际民间艺术、工艺美术产品交流展，成立手工业联社和专门的工艺美术管理机构，提出“适用、经济、美观”三项基本原则。确定“工艺美术”的概念：作为一定物质材料的艺术加工，具有实用和审美双重属性，工艺美术的内涵扩大了，除传统手工艺和民间工艺外，增加了现代艺术设计的内容。50年代初，国家将旧中国分散的、教学性质相近的工艺教育、手工教育和图案教育统一为工艺美术教育，并建立起正规教育与职业培训相配套的高、中、初三级工艺美术教育体系，为中国现代艺术设计教育发展奠定了基础。其中，高等教育的目标是工艺美术设计、研究和教育人才的培养。从50年代至80年代初，全国有独立的工艺美术高校1所，设有工艺美术系科的美术学院6所、艺术学院5所、工科学院5所，开设的专业包括陶瓷、染织、服装、家具设计、漆器、装潢、室内装饰、装饰绘画、装饰雕塑、商业美术、书籍装帧、工业造型等；中等工艺美术职业教育主要培养具有一定设计能力、并掌握某门专业技能的一线专业人才，1956—1975年，全国有此类学校18所，开设专业主要有工艺绘画、陶瓷美术、染织编绣、漆器、金属工艺、日用品造型、服装设计、家具设计、装潢美术、玩具造型等，这类学校由各地区行业部门管理，专业设置与行业对口，毕业生统一分配到工艺美术企业工作；除全日制院校教育外，70年代工艺美术职工教育机构出现，职工大学、中专和技工学校及行业组织与教育部门合办的职业高中，保证了全国各地区大批工美生产技术工人的培养。

50年代，正是德、英、美、日等国大量培养艺术设计人才的时代，其中德国乌尔姆造型学院、英国皇家艺术学院最典型。中国紧随其后，1956年中央美术学院实用美术系、清华大学营建系和中国美术学院图案系，合并成立了中央工艺美术学院（清华美院），直属文化部和中央手工业管理局，专门培养高级工艺美术设计师和设计理论人才，作为中国第一所艺术设计高校，它的体制体系一直是我国艺术类设计院校的基本模式。60年无锡轻工业学院（江南大学）创办轻工日用品造型美术设计专业，成为新中国工科院校从事艺术设计教育的开端。遗憾的是这类学校太少，中国十几亿人口，只有一所独立的高等设计院校（其余都以工艺美术科系的形式夹杂在艺术等其它类高校中）和一批中等职业学校显然是不够的，而且中央工艺美术学院当时以传统手工艺教育为主，现代设计的内容很少。尽管如此，业内还是有人提出，在全国多建几所工艺美术高校，各地要有分工和特色，除北京外，上海、四川、云南等地也要办。遗憾的是终止了这一切。

总之，建国至20年，中国工艺美术教育格局初步确立。教育规模扩大，教育类型、教育层次日益完备，同时逐步形成了地区、学校间鲜明的特色，如培养目标、专业设置、课程结构及学科结构等。最值得重视的是，这些成绩和特色的形成基本是自主探索的结果，与清末民国设计教育受外国影响不同。正因如此，这段中国特色的办学经验弥足珍贵和重要，尤其是60年代设计教育的调整、压缩和提高，很值得研究和借鉴。

改革开放以来艺术设计教育的发展与反思

艺术设计教育是建立在一定经济基础之上，并对经济活动具有相当影响力的教育活动，纵观我国艺术设计教育史，始终受到经济体制、经济结构和经济政策的制约与影响。80年代经济体制由计划经济向社会主义市场经济转型，致使传统工艺美术教育开始向艺术设计教育过渡。首先是“工艺美术”这种将手工艺活动和现代工业生产综合在一起的概念遭到质疑。其次是“工业设计”的崛起，用“设计”的概念表述现代社会机器生产的造物活动，成为人们的热议，是“工艺美术”还是“工业设计”？这场讨论始终没有定论，但它引起了社会各界对艺术设计、工业设计等问题的关注，开始思考艺术设计学科的内涵、外延、基本属性以及反映在教学上的特征和要求。

80年代初，中央工艺美术学院、湖南大学等率先开设工业设计专业，1987年中国工业设计协会成立，加速了工业设计教育的发展。1998年，全国有工业设计专业的院校由7年前的20所猛增至200余所，而且工科院校开办艺术设计、特别是工业设计专业的远超过艺术院校，两种不同课程结构的办学模式，丰富了设计教育的内容和形式。随着艺术设计领域的不断拓展，工业设计已经不是艺术设计的全部了，它和环艺、视觉传达设计等门类一样，成为艺术设计学科的一部分，“艺术设计”取代“工业设计”逐渐为人们所接受。1998年国家正式改“工艺美术”为“艺术设计”，学科定名为“艺术设计学”，但研究生教育却又把它定名为“设计艺术学”。不同名称反映不同的认识分歧，反映中国艺术设计教育学科研究的成长与异动。

我国艺术设计起步不晚，造成发展缓慢、落后于欧美的主要原因是什么？国情不同、先天不足。中国的艺术设计产生在半殖民、半封建的社会母体中，既无工业基础又无成熟的商品经济市场；建国后长期的计划经济，缺乏必要的发展空间和政策支持；改革开放，工业化、市场经济得到快速发展，但工业化的任务至今尚未真正完成，企业对设计创意的需求远远小于对商品广告的依赖。因此，我国的艺术设计教育仍处在发展的初级阶段，这一点毋庸置疑。发展初期的艺术设计，不可避免带有跟随性、实验性等缺少内生性和竞争性的缺点与问题。

初中美术教案篇（6）

“艺术设计”作为专业名称取代工艺美术或实用美术等是近些年才出现的。民国初期，艺术设计被称为“图案”，是借用日本人对“Design”的译意，主要指制造建筑、工艺品和各种器物之前所绘制的“图样”和“制作方案”。20世纪中国高等艺术设计专业教育经历了“图案——工艺美术——艺术设计”的发展演变，源头一直可以追溯到1906年南京两江优级师范学堂的“图画手工师范科”。1918年北京美术学校设置图案科，首次将艺术设计纳入民国高等专业教育体系。“北京模式”是指从1918北京美术学校到1937年国立北平艺术专科学校20年间在人才培养规格、专业设置、课程体系和修业年限、教学组织等方面所形成的具有自身特色的高等美术教育教学模式 。本文研讨北京模式之图案专业教育的学制类型、课程体系、办学思想、模式特点以及对当今艺术设计专业教育的启示。

一、北京模式之图案教育的学制类型及课程体系

中央美术学院的前身，从1918到1937年经历了北京美术学校（1918～1922年）、北京美术专门学校（1922～1924年）、国立艺术专门学校（1925～1927年）、京师大学校美术专门部（1927～1928年）、北平大学艺术学院（1928～1933年）和国立北平艺术专科学校（1934～1938年）等6个发展阶段，先后实施了“中等”、“专门”、“大学”和“专科”等4种学制类型的“图案”专业教育。由于相关档案资料遗失严重，在此，只能对“图案”教育的各类学制、课程体系进行简要的分析。

1、“中等”学制及课程体系

学校创建伊始，即设立了“中等”学制的图案科，修业年限为“预科一年本科四年”。年龄14～20岁的高小毕业生，初试1门（或中国画或西洋画或图案画），复试国文、算术、历史、地理、理科、图画等6门，及格者可录取“预科”；年龄15～20岁的高中一年级学生，复试国文、英文、数学、历史、地理、博物、图画等7门，及格者可录取“本科”一年级。首届招生不足10人，1922年停止招生，但“中等”的图案科教育一直实施至1924年底，共培养学生40人左右。

“中等”学制的课程体系，包括修身、国文、英语、数学、物理、化学、历史地理、博物、体操、教育学等10门文化课，以及习字、图画、用器画、图案法、解剖、手工、实习、美学美术史等8门专业课程。其中文化课共64周学时数，占总周学时数的32.65%；专业课共132周学时数，占总周学时数的67.35%。 其中，专业课如，“习字”讲习楷、行、隶、篆、草等书体；“用器画”讲授几何画法、透视投影画法等；“图案法”讲授平面图案、立体图案、装饰图案等；“图画”讲授中国画、运笔法、毛笔写生、铅笔写生和临摹图案画等；“手工”包括竹木工、金工、木工，及（金工、纸类、粘土、石膏等）细工；“实习”包括平面图案新案制作、立体图案的制作、各种工艺及装饰图案制作、建筑装饰图案及新案制作，以及绘画写生临摹、绘画新案的制作等；“美学及美术史”讲授中国美术史、西洋美术史和美学等。

2、“专门”学制及课程体系

从1922年10月至1930年7月实施“专门”学制的图案教育。起初分设“工艺图案组”和“装饰建筑图案组”，修业年限为“预科一年本科三年”或“本科四年制”；后来分组设木工、金工、建筑、陶瓷、染织、印刷等方向；招收普通高中或中等学校毕业生，考试国文、英文、数学、历史、地理、物理、化学、图画等8门课程，及格者可以进入本科一年级；而本校“中等”图案科毕业生，可免试直接升入二年级；首届“专门”学制仅招收新生2人；先后培养5届毕业生共40人左右 。

“专门”学制的课程体系 ：工艺图案组开设伦理学、物理、化学、外国语、博物等5门文化课，以及绘画、图案法、实习、用器画、工艺制作法、制版术、印刷术、建筑学、美术工艺史等9门专业课；其中，公共课共20周学时数，占总周学时数（160）12.5%；专业课程共140周学时数，占总周学时数87.5%。专业课程教学：“绘画”开设4学年，每周8或时，进行或中国画或西洋画的写生、临摹及新案制作；“图案法”开设1学年，每周2学时，讲授平面图案法与立体图案法；“实习”开设4学年，每周分别为14、15、18、1时，包括平面图案制作、各种工艺图案、立体图案、建筑装饰图案的新案制作和毕业制作；“制版术”后3学年开设，每周分别3、3、4学时，包括写真版及摄影术、网目版、玻璃版、亚铅版、三色版；“印刷术”后3学年开设，每周2学时，包括石版、三色版、金属版、木板、复色版等印刷技术；“用器画”前3学年开设，每周分别4、2、2学时，讲授平面画法、投影画法、投影画、透视画；“工艺制作法”后3学年开设，每周分别2、2、3学时，包括漆工、金工、铸金、陶器、染织等工艺制作；建筑学讲授建筑学大意，“美术工艺史”开设2学年，周学时2，讲授东西方绘画史、东西方建筑史等。建筑装饰图案组开设伦理学、数学、物理、化学、外国语等5门文化课，以及塑造、绘图、图案法、用器画、实习制图、建筑学、美学及美术史等7门专业课；公共课共30周学时数，占总周学时数18.75%；专业课共130周学时数，占总周学时数81.25%。其中，绘画、图案法、用器画、实习等课程的教学内容安排与工艺图案组的基本相同，只是课时略有差别。其他如“塑造”开设4学年，每周3学时，包括油土、雕刻、石膏模型制作、木质模型制造等；“建筑学”开设4学年，每周分别4、5、5、5学时，讲授建筑学大要、建筑构造、建筑意匠、建筑材料、铁骨铁筋构造、家具制造法及装饰法、施工法、装饰法等；“美学及美术史”开设4学年，每周2学时，讲授中国美术工艺史、西洋建筑史、美学等内容。#p#分页标题#e#

3、“大学”学制及课程体系

1928年7月，学校更名“北平大学艺术学院”，图案系也更名“实用美术系”，下设图案、金工、染织、印刷等4个方向，开始实施“预科二年本科四年”的“大学”学制的图案教育。预科招收“1、旧制中学毕业者，2、三三制中学高中一年修业期满者，3、四二制中学初中毕业者”；本科招收“1、新制高级中学毕业者，2、大学预科毕业者，3、专科学校毕业者（未立案或未经认可之学校不能报考）” 。1928年、1929年只招收了2届“大学”学制预科生共51人，原“专门”学制学生升入本科班，办学目标“以研究高深学术，养成专门人才”为宗旨。

“大学”学制没有完成6年的教学周期，且课程设置的档案缺失，仅能从部分课程中一窥“冰山之角”。实用美术系预科二年，开设写生、中国画、木炭画、水彩、图案法、基础图案、图案、应用图案、照相学等9门专业课，以及国文、数学、物理、化学、英文、法文等6门公共课；四年本科，不同专业分组课程体系差别较大，以印刷图案组为例，第4学年开设平版制版、凹版制版、凸版制版，陶瓷图案、装饰图案和铜版实习等6门专业课程，及国文、法文、日文等3门文化课程；其他专业分组课程所知不详。由于“大学”学制与教育部《大学组织法》相冲突，1930年后，不准学校招新生，1933年学校被教育部停办。

4、“专科”学制及课程体系

1934年，学校更名国立北平艺术专科学校，图案教育实施“专科”学制。原“实用美术系”改为“图工科”，分设图案组和美术工艺组，下设金工、木工、漆工、景泰蓝、照相、制版、印刷、织染、陶瓷等专修方向，修业年限为“三年”，招收在公立或私立高级中学（立案）毕业或具有同等学力的学生，入学考试党义、国文、外国文、代数、几何、生物、史地、三角、物理、化学、几何画（或毛笔画或炭画或铅笔画）等11门课程；先后招收3届共66名图案科学生。1936年，学校专业改组，图工科更名图案科，取消专业分组和专修方向，教学采用“学分学年制”，实行统一的课程内容教学。

“专科”学制课程体系 ：开设图案实习、西画实习、国画实习、雕塑实习、用器画、图案法、构图、工业制图（或商业制图）等8门专业必修课，开设党义、体育军事训练、国文、外国文、中国美术史、外国美术史、解剖学、色彩学、远近法等9门共同必修课，以及书法篆刻、音乐、手工、图案画、中国书画史等5门共同选修课。必修课程共77学分，约占应修总学分（108）71.5%；共同选修课还需要选修31学分，约占应修总学分28.5%。

北京模式的图案教育，“中等”学制从初中招生，5年的专业训练不分组，统修中、西绘画与图案、手工等内容，培养从事美术及美术工艺的中等技术人才。“专门”学制招收高中生或中等学制毕业生，4年分组进行专业训练，培养高级专门设计人才。“大学”学制招收初中毕业生或高一以上学生，2年预科主要学习基础课程；4年本科实行分组专业训练，培养重视高深学术研究的“实用美术”人才。“专科”学制招收高中毕业生，3年的专业教学，强调实用技能训练，培养应用型的“专科”人才。但是，由于3年的图案专业训练时间还是太短，因此，1937年5月，教育部命令艺术专科学校或大学艺术系必须设立附中，以延长专业训练的年限。

二、艺术设计教育北京模式的办学思想

艺术设计教育北京模式的办学思想，一方面受到国家主流教育意识的影响，另一方面还主要受校长及专业负责人办学理念的影响，并体现在不同学制的人才培养目标、专业设置和课程体系，以及具体的教学实施之中。

1、郑锦的办学思想：郑锦（1883～1959）在日本京都市立美术专门学校留学、游学12年 ，担任北京美术学校、北京美术专门学校校长7年。筹建学校时，他曾两次到日本考察，虽然没有发表明确的办学言论，然而，他制定的由教育部颁行的《北京美术学校学则》，无论是学校名称，还是设置5年制“中等”学制、4年制“专门”学制，以及课程体系和分组实施专业教学，都体现了他借鉴日本美术教育模式的办学思想，形成了最初具有中国特色的“图案”专业教育体制，奠定了“北京模式”的基本格局。同时，郑锦秉承日本图案教育重视手工和美术工艺等实用技术训练的办学理念，在经费非常窘困的情况下，先后建成印刷、木工、漆工、染织、陶瓷等工场，并配备专职技术员，强调实践教学。

2、林风眠的教学改革和办学主张：林风眠（1900～1990年）担任校长期间（1926年3月～1927年9月），对北京模式的“日本倾向”进行了改革，融入欧美特别是法国的美术教育经验，其办学思想体现在：第一、试行工作室制度，推行主、辅修相结合的“学分制”，主张学生发展个性、自主选修不同课程，延长或缩短修业年限。第二、重视开门办学，推行“艺术运动”，强调艺术与社会实践相结合。

3、严智开的办学主张：严智开（1894～1942）从1923年到北京美术专门学校开始执教，先后担任西洋画教授、系主任、院长秘书、院长、校长等职务。他留学东京美术学校，办学理念与郑锦一脉相承，主张图案教育重在实用，强调改良课程体系，注意发展学生专长；1934年筹建北平艺专时明确表达其办学主张：艺术教育并非完全为了造就艺术型人才，不能纯粹“为艺术而艺术”，因此，设置图工科分图案组和美术工艺组，重视培养胜任各类图案设计和胜任金工、木工、漆工、景泰蓝、印刷、织染、陶瓷等工艺改良的职业技能型人才，以及适应市场、能够谋取个人生计的能力 。

4、赵太侔的办学理念：赵太侔（1889～1968年）1936年执掌校印，改良严智开的“实用主义”办学理念，指出艺术与技术不同，艺术学校与工艺学校也有差别；艺术学校的使命不是培养技师、不是为了与艺徒出身的工匠争长短，而是应该注重美的创造与设计，造就具有创新精神的艺术设计人才。因此，他恢复了图案科，并取消了专业分组 ，强调图案人才培养的普适性、通才型。#p#分页标题#e#

总体而言，北京模式的图案教育，主要是借鉴日本的美术教育思想。首先由郑锦等奠定了北京模式“北学东京”的基本格局，重视图案专业教育规范性和可操作性。其次，由严智开继承和发展郑锦的办学理念，在专业分组及课程设置方面更加强调图案教育的实用性、职业性，与“南学巴黎”的杭州模式差别更加显著。林风眠和赵太侔留学欧美，引入“学分制”，注重发展学生个性和培养创新型的艺术性人才，但是，由于他们毕竟任职年限相对较短，故对北京模式的改变并不大。

三、艺术设计教育北京模式的特点、成效及启示

1、艺术设计教育北京模式的特点与成效

第一、借鉴日本，融合中西，自成体系，成为国家高等美术教育的执行标准。《北京美术学校学则》是由教育部颁布的唯一的关于国立高等美术教育的规范性文件，国立美院“图案”专业的教学模式对私立或公立美术学校的引领、示范作用是非常明显的。

第二、文理兼修、中西贯通，全面发展，实施“通才”教育理念。北京模式从招生考试到各学制的专业教学，都是文理兼顾，中西方文化贯通，图案法、图案画等课程直接吸收西方设计教学的内容，而绘画训练不分西洋画和中国画，以保证学生在绘画和设计领域具有广泛的适应性。

第三、学术并重、艺技双修，分组教学，多规格地培养应用型人才。北京模式从招生开始，即严把学生入学质量关，宁缺勿乱，即使无法完成招生计划，也不降低学术标准；除“中等”学制的图案教育外，其它学制类型均实行专业分组教学，重视艺术学理的研究，强调实践技能的专门训练。

北京模式20年的图案专业教育，共培养了6届毕业生60余人。其中，1926年首届有李有行等6人，1927年有雷圭元等9人，1928年仅杜登云1人，1929年有李旭英等6人，1930年有刘距欧等18人 ，1937年有刘春荣、邬寿萱等24人 。相对而言，前10年培养的学生质量较高，李有行、雷圭元等成为我国有影响的一代艺术设计教育家；后10年培养的学生人数虽然较多，但成为名家的相对较少。

2、北京模式对当今艺术设计专业教育的启示

第一，现代艺术设计教育在人才培养目标、办学层次和招生规模上，不能盲目好高骛远、求大求全。北京模式的“图案”教育最初从“中等”到“专门”学制，循序渐进的发展思路和有限地实行专业分组的教学思想都是可取的。但是，后来出现专业分组过细、强行实施“大学”学制并违规发展，而造成了办学成效低微的教训是需要克服的。

第二，建立具有特色的专业课程体系，稳定地实施人才培养计划。艺术设计是“艺术”与“科学”紧密结合的应用型专业，涉及的领域非常广泛。北京模式初期“图案”专业分组少，设置融合科学技术与艺术，跨越文、理、工的专业课程体系的经验是值得借鉴的；需要吸取后期专业分组多、变化大，办学不稳定的教训。

初中美术教案篇（7）

在初中美术教学中，教师应以新课程理念为指导，充分激发学生的美术学习兴趣。唯有这样才能在有效构建高效课堂、提高教学效率的基础上，培养学生的美术实践能力和审美情趣。由此，在初中美术教学中，教师应充分采用愉快教学法，以此达到构建初中美术高效课堂的目的。以下是笔者就愉快教学法如何构建初中美术高效课堂这一问题做的简单分析。

一、借助多媒体，实施愉快教学

传统的美术教学难免有些枯燥乏味，对此，教师就可以在课堂教学中充分借助多媒体来实施愉快教学，以此来有效构建高效课堂，促进教学效率的提高。在初中美术教学中充分运用多媒体进行辅助教学，这无疑迎来了美术教学的春天，为美术课堂教学增添了活力，不仅有效地激发了学生的学习兴趣，还有效提高课堂教学效率。如：进行“图案基础――写生变化”的教学，教师就可以充分利用多媒体为学生展示关于“变化”的方法：展示几组简笔画，让学生感受图案的变化，然后让学生在投影上进行自己的创作。如此，自然能在充分激发学生学习兴趣的同时，提高教学效率。

二、借助游戏，实施愉快教学

在初中美术教学中实施愉快教学，借助游戏也是一条很好的途径。即使是初中生，对于游戏的热爱也丝毫不逊于小学生，因而在美术课堂教学中，教师可以充分借助游戏来实施愉快教学，以有效构建高效课堂，提高教学效率。如，进行“诗情画意”的教学，教师就可以通过游戏来激发学生的学习兴趣，为之后的教学打好基础：让学生分组默写古诗，并为之配上一幅插图，看看哪个小组完成得最好。如此，学生的积极性得到很好的提高，高效课堂的构建、教学效率的提高自然水到渠成。

总之，在初中美术课堂教学中积极采用愉快教学法，能有效激发学生的美术学习兴趣，促使学生积极参与美术教学活动，从而在培养学生多种能力的同时，为高效课堂的构建奠定良好的

基础。

参考文献：

初中美术教案篇（8）

中图分类号：G421；G633.955 文献标志码：A 文章编号：1008-3561（2017）09-0043-01

初中美术课并不是升学考试的科目，学生不是很重视。因此，美术教师就需要用主体教育理念去构建新的教学模式――共创性美术教学模式，调动学生的兴趣，让学生自身积极主动地参与进来，学好美术课。

一、共创性初中美术教学的含义

共创性初中美术教学，就是在美术教学中。师生共创情境，教师创设轻松和谐的课堂氛围，调动学生参与的兴趣，学生自身也积极主动地参与，自觉探究，独立大胆实践的一种教学模式。这种教学模式着重于构建以初中生为主体，激发初中生的学习潜能，培养初中生综合素质的体系，实践初中美术教学的方式、手段、内容和评价等等。

二、共创性初中美术教学的意义

一是培养学生兴趣。共创性初中美术教学，使美术教师和学生一起动起来。学生由旁观者变成参与者，化被动为主动，学生的兴趣得以大大提高。二是培养学生实践能力。在教的指导、鼓励下，学生情绪激昂敏捷，能够动手、动脑、动口，分析、应变、创新等，充分发挥自己的潜力，大胆地表达自己的见解，使得自己的能力得以发挥。三是培养学生的合作精神。共创性美术教学使学习成为学生共同面对的问题。在共同进行思考演绎解决问题的过程中，学生不仅学到了知识，增长了见识，还学会了如何与他人合作。

三、共创性初中美术教学的实施方式

（1）内容共创。传统初中美术教学中，常常是研究教师怎么教，没有研究学生怎样学，学生学习知识的自比较少。共创性初中美术教学就要求内容共创，即教师与学生一起商量如何上下一堂课，包括下一堂课的内容、要达到的目的等。这就要求美术教师在课堂中要了解学生经历的“为什么学”“学到什么”“应学到什么程度”；美术教师上完每一节课后，一定要了解学生的想法，并与之共商下一次的教学内容。

（2）角色共创。角色共创即创造师生合作、生生合作的新型的师生关系。这种关系建立在平等合作的基础上，教师与学生共创民主自由、温暖愉快的学习氛围。一是师生之间的合作。师生共创教学情境，能调动学生参与教学的兴趣，让学生产生强烈的学习欲望，极大地提高课堂学习效率。如在初一“素描”一课中，教师没有直接让学生对照书本画像，而是由自己充当学生的头像写生模特儿，学生对此兴趣盎然，会聚精会神地描绘起自己熟悉的老师来。另外，也可由学生任教，教师充当学生的助教。如在初一“色彩”一课中，教师让学生根据电脑课件进行讲解，当他表达不够充分时，教师再进行补充，这比教师的讲解更有趣味。台下的学生听得异常专注，收到了很好的教学效果。二是学生之间的合作。教学过程中的角色共创，不仅在于师生之间，更在于学生之间。在初中美术课中，美术教师可以根据学生绘画水平的高低，合理分配学习小组，培养学生的合作能力。如在讲解“角色游戏――面具艺术”时，教师先让学生说出自己特别喜爱的面具，接下来通过分组网上收集、选择面具等形式，让学生在游戏中观察实物，并且尝试着创作作品。最后展示创作成果、组织成果交流，达到了学生共创作品的目的。

四、共创性初中美术教学的评价方式

共创性初中美术教学模式下的教学评价已经完全打破了传统美术教学评价的重课堂教学轻平时指导、重老师评价，轻学生自主评价、重结果轻过程的模式，对学生的评价更公正、公平，也更能达到教学目标。如美术八年级上册“在绘画中永生外国肖像画赏析”一课中，教师将“在美术世界中遨游”教学评价方案制成表格，让师生共同评价。一是同学评价。每个组分别进行展示设计的草图和论述各自的初步设计方案，让大家积极参与探讨，对设计方案进行评价，并提出自己的看法。二是学生、教师填写和提交评价表：“在绘画中永生外国肖像画赏析”学习评价表、观察记录表等。三是形成评价结论，并分别反馈给每名学生，保存在学生学习成长档案袋之中。

五、反思

共创性美术教学模式能够凸显学生的个性，美术教师在教学中一定要鼓励学生大胆发言，积极参与，展现个性。如美术教师让学生对作品的感受、体验、理解等进行大胆阐述，并上台演说，以培养他们的语言表达能力。同时，教师要运用好评价语言。如在次色彩写生教学中，教师发现有几个学生撕了画、画了撕，对自己的作品非常不满意。于是教师把那些纸团捡起来说：“这幅画虽然整体效果不是很好，但是很有创意，可以从几方面着手加以装饰，这幅画就好了。”学生见老师肯定了自己的创意，也就不急于重画，而是在此基础上加以修改，提高了画面的质量。

六、结束语

总之，共创性教学不仅是教学过程的改变，更是教学意识的革命。如果教师经常有意识地加以运用，就能取得比单纯用技法教学、经验传授教学更为理想的教育教学效果。

初中美术教案篇（9）

【关键词】

流行元素 传统元素 初中美术

0.引言

随着社会对综合性人才需求的不断增高，越来越多的学校对美术课教学提出了更高的要求。人们越来越重视对学生综合能力的培养，也更加注重对学生的天赋和潜能的挖掘，美术课在初中课堂也受到了原来越高的重视。美术教学在使用中国传统艺术特色元素的时候，将流行元素融入其中，可以达到更好的教学效果。

1.美术教学传统元素和流行元素融合的意义

随着教学改革的不断深入，我国教育部门对美术课程的教学提出了新的要求，要求在美术教学过程中，应该与学生的实际生活相联系，拉近美术与实际生活的距离，让学生在实际生活中也能够体会和领悟美术的艺术魅力，同时还要重视学生美术实践能力的培养和提高。在以往的美术教学中，人们对中国传统元素的使用提出了很高的重视，将古老文化的特色表现的淋漓尽致，传承了我国的传统艺术[1]。而现代教育则认为，在美术教学中，应该在充分使用传统元素的同时，进行教学改革和创新，增加一些新的流行元素，让原本严肃的美术课程变得更加生动有趣。让学生在深入的理解美术传统文化的同时，还能不断提高美术的创新艺术和创新能力。

2.美术教学传统元素和流行元素融合的途径

2.1将传统图形和现代图形有效融合进行教学

传统图形主要包括人们熟知的一些吉祥图形，一般是在中国的传说中具有吉祥意义的图像，例如龙、凤和神话故事中的人物等，将其应用到美术创作中，象征着人们的美好的愿望。我国的传统图案还包括象征着权威的兽面纹和反映社会形态的青铜图案。在美术教学中，教师应该将传统图形和现代图案等元素融合，将两者巧妙结合。让学生在进行美术创作的时候，既可以保留传统元素中的图形，又能用现代的思想，将现代的图形融入其中，在美术作品中表现出新的寓意。最终使美术作品既能拥有外在的魅力，还能表现出一种神韵之美。

例如在学习关于古代雕塑的欣赏的时候，古代的雕塑中很多图案都是使用的一些传统图形，通过古代雕塑的欣赏，学生可以充分的欣赏和体会美术中的传统元素的价值和意蕴，学生在思考和理解传统图案和现代图案的不同和相同之处的同时，就可以提高自己借用传统元素来创造新的图案的能力，从而升华自身创造元素的能力，使创造作品中的图案具有传统与现代的共同之美。

2.2将传统色彩和现在造型有效融合进行教学

在我国的传统文化中，对于颜色有着独特的理解，黄色代表权利、富贵，所以皇帝以及一些贵族的服装以黄调为主，而在现代中，黄色可以营造一个温暖的气氛，让人觉得心情明朗;在传统文化中，红色系列代表喜庆，因此办喜事的时候一般以红色的色调为主，现代红色传承了这种寓意，同时给人温暖、大方的感觉;此外，现代的色彩，紫色给人高贵、烂漫的感觉，给人一种神秘感，绿色系列给人自然、清晰的感觉，可以使人心情愉悦，白色代表死亡。在美术创作中，人们常常使用色彩来流露自己的思想。

在美术教学中，教师应该引导学生用传统的色彩来创造现代美术作品，在“多变的颜色”教学过程中，教师应该将古人的用色观念向学生充分详细展示，例如可以借用《红楼梦》中莺儿帮贾宝玉打络子说出的配色理论来帮助学生更好的理解。在使用不同的色彩进行配色的时候，要使用等量的色彩[2]。以现代的冷暖色调相配是同一个道理。例如在中国很多地区的特色食物，包装都采用青花色调，瞬间给人高雅、古典的感觉，让人从中看到历史的影子。青花瓷用色古朴，在现代的装酒容器中，以青花瓷的颜色为基调，使用现代包装的外形，从而形成传统色彩和现代造型的融合。

2.3传统纹样与现代汉字的有效融合

美术作品中的传统文化是我国的瑰宝，无论是表现形式还是内容都非常具有特色，在美术作品创造中，设计理念、元素的使用等都在不断创新，因此一些传统的元素面临着失传的情况。为了避免传统文化的丢失，在美术创作时，将传统文化和现代汉字有效融合是一个非常必要的方式[3]。书法作为我国的传统文化，常常用在美术创作中，让人们可以深刻的体会到中国传统文化的魅力和内涵。例如在“物品上的花廊”教学过程中，在男女结婚时，常常以“龙凤呈祥”的图案纹样来表现男女，“龙”和“凤”的纹样就代表着“男”和“女”的汉字。教师则可以引导学生用这种美术创造的方式来进行美术创造，借鉴这种传统的纹样来创造出新的元素。

3.结语

新课标指出，教师在教学过程中，引导学生创造美术作品的时候，不仅要让学生深入的体会传统元素的韵味，还应该在传统艺术中融入新的流行元素，让学生对现实生活中的元素进行改造，添加一些流行元素，不仅可以让美术教学变得更加生动有趣，让学生爱上美术课，还能培养学生的创新意识。

【参考文献】

初中美术教案篇（10）

打通中小学教师的行政编制，加强交流研讨，为做好课程建设提供保障。

学校实施扁平化管理模式，形成了小、初、高一体化的教研、管理机制。在开发和建设小初高一体化艺术课程的过程中，中小学的美术教师坐在了一起，对现在实施的小学、初中和高中美术国家课程进行整体梳理，使我们的美术课程更加符合学生实际，满足学生长远发展的需求；同时，积极开发美术特色课程，作为基础课程的补充和拓展。

中小学美术教师分工协作，按照学段各负其责，潜心研究教材，围绕课程建设方案认真完成基础课程建设。

从两年前开始，中小学美术组的教师们在主管领导和学科主任的带领下，制定了中小学一体化美术课程建设的方案，安排了每周一次的集中研讨时间。经过两年多的努力，我们完成了从小学一年级至高中的国家课程内容的梳理，教材内容按照不同年龄学生的认知水平和特点，分不同学段确立了学习目标、学习内容和评价要求，成为学校美术教学的基础课程。

积极拓展、开发特色课程和课外艺术实践课程，成为基础课程的补充和拓展。

在特色课程开发过程中，中小学教师结合学校校园文化建设的特色，以传承和发扬中国传统文化为切入点，结合教师的专业特长，将中国民间美术和中国传统水墨画作为一体化的特色课程，每学期在完成基础课程的同时安排固定课时上特色课，在学校全面铺开。为了更好地促进学生艺术能力和人文素养的提升，我们还研究制定了《学生美术学分管理方案》，将学生参加的各种形式的校园美术实践活动用学分进行管理，包括学生参加的美术兴趣小组、选修课、各类美术比赛等，对学生进行评价和赋分，现已初步形成比较完整的学生艺术实践课程体系。

初中美术教案篇（11）

在初中美术教学过程中结合教材设立一些游戏活动让学生在游戏中掌握知识、学会思考，在愉快中锻炼学生的动脑动手能力，培养学生主动学习兴趣。

1 游戏教学主要表现和作用

兴趣爱好与学习的关系非常密切，研究也表明，只有引起兴趣，学生学习就不会觉得是一件负担的事了，才会有学习的动力，才掌握知识。哪如何才能达到这一点呢？那是教学中的游戏教学，在游戏教学中学生都会保持专注的注意力和浓厚的兴趣，持久兴趣愈浓，学习动机就会逐渐增强，学生就会形成对学习的"兴趣"，从而彻底消除学生在学习过程中的排斥和疲倦感，在游戏中做学习的主人，满怀信心面向知识的殿堂。

2 推行游戏教学与初中美术教材的特点紧密联系。

现阶段初中美术教科书是义务教育的一门必修的课程，通过美术教学，让学生掌握美术知识和基本技能，提高学生的审美欣赏能力，提高学生的观察能力、想象能力、形象思维能力和创造力，陶冶高尚情操 ，培养良好的品行、意志，增强学生的爱国主义精神。

学习美术这对于促进人的智力全面发展具有非常重要的作用， 科学实验证明一个受到良好美术教育的学生，对观察事物比较准确、敏锐、细致、完整，对外形的区分、空间的把握、色彩的分辨能力都较高。这样的学生从事社会职业是比较广的，如工业、农业、教育、军事和科学研究等都能一展鸿图，对于提高整个中华民族的文化素质具有重大的意义。但现实是美术教育的重要性在教学中没有引起重视。我国的教育一直都实行应试教育，片面追求升学率。这样就在学生中形成了这样一个现象：美术课就是自习课，可上可不上。

要改变这种现象，美术教育者就要在教学方法上进行改革、探索美术教学的新方法，激发学生对美术学习的兴趣。因此，本人认为在初中美术教学中实施游戏教学是十分必要的。

3 初中美术游戏教学的主要方法。

游戏教学，首先从教材的内容出发，很好的利用教材中的可作游戏因素，采用学生喜爱玩游戏习惯，来提高学生对美术学习的兴趣，使学生能在愉快中学到知识，本人在实践中作了一些初步的探讨和尝试。具体如下：

3.1 师生共同创造一种和谐愉快的气氛。

教师在游戏教学过程中的态度是非常重要的，首先态度对学生的学习心理和情绪有着直接的影响。好的态度，会使学生感到轻松、愉快，学生才认真进入角色，对提高学习的兴趣才有帮助。教师亲切的微笑，还有好玩的游戏。学生就会感到关心、理解、爱护、温暖。无形中学生也会从教师的言行中受到鼓励，就会喜欢你这位老师，喜欢你教的课程，喜欢上了学习。这就要求我们教师在学生面前，永远是亲切自然的，即使是对待差生。所以，教师在教学活动中就应始终保护良好的心理状态与学生学习游戏，促进师生在认识与情感两方面的沟通，变一切消极状态为积极状态，共同创造一种良好的气氛，让学生在游戏中接受美术的教育。

3.2 引发学生的学习兴趣――多媒体教学。

传统的教学方法常常使教学陷于枯燥乏味，首先美术是视觉艺术，通过视觉来获取信息，就必须强化直观教学，如将现代化的多媒体段引入教学，使教学多样化，就可以调动学生的视觉、听觉来参与感知，激发学生的学习兴趣，有助于实施游戏教学，增强教学效果。例如，上《海报的设计》一课 ，在讲解"海报图案装饰"的几种方法过程中，我同时在投影上用彩笔画出简化花朵、青蛙，可爱的小狗、植物等，这些简练的图案激发起学生的极大兴趣。每画完一个图案，学生们就不由自主地说出"花朵"、" 小狗！"、"小猪！"等等，课堂上充满了欢乐的气氛。然后让每一位同学到黑板画自己所喜欢图案，，再问学生有什么寓意？，这样学生在游戏的气氛中，不但掌握了"设计图案"的几种方法，达到了较好的教学效果。既丰富了课堂的教学手段又面向全体学生，使教学在张弛有致的和谐节奏中进行。

多媒体教学融形、色、光、声为一体，在一般课堂上难以达到的高功效的教学手段 ，在激发学生学习兴趣和提高教学效率方面具有很大的作用。

3.3 艺术的导入和结课艺术，激发学生的学习兴趣。

好老师上课，从开始就会搞一个小伙游戏引人入胜，让学生很快对新课产生兴趣，这样对新课的导入就要求要精心的设计。要根据教材的特点和学生的实际，进行创造性的设计。

例如上《标志的设计》课时，正值2008北京奥运会开幕之际，上课开始时就把以往各届奥运会会标亮出，然后抽出几位同学拿着这几个标志，然后以组为单位，同组相互商量写出这是哪一届什么标志？它是怎样设计的？它有什么深刻含义？最后评定哪一组第一名。这样一实施，各组学生立刻活跃起来。我们所要求效果就实现了。

一堂完美的课，不仅开始要引人入胜，而且结尾也要精彩，余味无穷，给学生留下难忘的回忆，激起对下 一次课的强烈欲望。

我在上《标志的设计》一课是这样结课的："今天我们学习标志设计的基本技法，了解了标志设计基本原理，技巧。现在，你可以给学校设计一个校徽，在这个校徽上寄托你的希望，你的祝福，代表学校一种精神，一种理想。让大家去把它变成可能，你可以自豪的说这个校徽是我献给我们学校。"

这样的结课使学生感到"言已尽而意无穷"。

真正艺术教学是在教学过程中所表现出来的具有创造性和审美性的教学实践活动。教师在处理教学内容、组织 教学活动和运用教学方法时应有独特的创造性，教学才会成功，才能形成一种活跃、生动的教学气氛，给学生一种真正的艺术审美愉悦的感受。

3.4 讲解示范环节，是优化课堂教学结构重要手段。

讲解示范是教师对每个学生在完成课堂作业过程中的加强指导。讲解示范在美术课堂教学各环节中占有重要的地位 。美术教学中一般要求教师在10分钟之内作少而精的讲解示范，余下是学生活动作业。所以，讲解示范在美术课堂中所占的时间不多，但教师需付出一定的精力。教师应根据本节课内容，引导启发学生的思维，让学生在学习游戏中发挥自己的想象力和创造力，并溶进自己的审美情趣；对作业中普遍存在的问题要及时给予点拨 ；对个别作业困难的学生要给予启发提示；对好的作业，要给予鼓励和表扬，并可让该生谈谈其作业的构思、 方法等，使其他同学从中得到启发。由于作业时间较长，课堂气氛容易显得沉闷，为使学生保持一种愉快状态 ，可结合课堂游戏来完成作业。通过游戏情景激发学生情趣，学生的思路开阔了，思维活跃了，课堂结构也优化了。在教学中把作业和游戏有机地结合起来，以轻松心态伴随着美术作品中美的意境、美的形象来感染学生，调动学生追求美、表现美、创造美的激情，从而 达到培养学生作画兴趣目的。

总之，我一直对初中美术的游戏教学进行尝试和改进，使学生真正体会到学习是一种快乐的事情。经过不懈的尝试，已经有了一定的教学效果 ，现在学生认为上美术课有"意思"，真正受到美的熏陶，得到美的享受。已经有学生组织参加美术课外小组活动，并积极参加各种美术比赛。有些升入了职高美术班，成为学习的尖子。