服饰艺术论文大全11篇

服饰艺术论文篇（1）

南宋女子丝绸服饰质料有用素纱、苎纱、天净纱、暗花纱、粟地纱、茸纱、萧山纱、香云绉、素罗、花罗、花绮、绢、帛、异向绫、织金缎、闪褐缎、闲道缎以及上百种织锦缎等，其中以苏州宋锦、状锦、织金锦最出名。南宋女子丝绸服饰的纹样体现了典雅秀丽、清新自然之美。花木题材以牡丹和芙蓉居多，糅合月季、蔷薇、芍药、荷花、、海棠、栀子花、茶花、梅花、萱草、松竹真红樱桃、真红水林檎等十几种造型写实纹样；呈艺术表现形式有自然灵动的团花纹、纤巧优美的缠枝纹、鲜活写实的生色花。动物题材有盘龙、麒麟、翔鸾、天马、花凤、孔雀、仙鹤、金雕、云雁、练鹊、狮子、对鹿、金鱼等。另外最能体现南宋理性艺术风格的就属几何纹样，回字纹、米字纹、八达晕、锁子纹、曲水纹、龟背纹、连线纹、盘绦纹、绣球纹、雪花纹、波纹、柿蒂纹、枣花纹、梅花方胜卐字纹等均体现构图严谨、寓意吉祥的南宋理性审美，并影响着元明清服饰图案风格发展。

2.印染彩绘技术、缂丝及刺绣工艺并蓄发展

南宋丝绸印染技术在隋唐的基础上发展出凸纹版印花彩绘和镂空版花缬工艺,十分盛行。凸纹版印花彩绘始于汉代，主要是在女装对襟与衣摆花边进行装饰运用。德安周氏墓出土有三件罗襟绉纱衫，在对襟处有6～8厘米的花边均采用凸版印花彩绘手法装饰。相互验证的还有福州南宋黄昇墓出土的九件大袖衫和部分背子上用了泥金、贴金、勾金彩绘花带。镂空版花缬工艺是将镂空的缬板贴在平整的丝品上，在镂空部分涂刷调配的胶液色浆，再按花版规格进行接版印刷，有植物染料印花、涂料印花、胶印描金印花和洒金印花四种，呈现的花纹精美有序，生产简便，在南宋官方和民间广泛采纳。据吴自牧《梦梁录》卷一“车驾诣景灵宫孟飨”记载从驾官员的仪服，有“红缬锦团搭”、“红缬团花衫”“、方胜缬衫”“、红缬衫”“、红罗缬衫”等。黄昇墓出土服饰中的印靛圆点花罗裙、软罗掩裙、双虎纹罗料，南宋小品画《杂剧图》中女演员的白地浅蓝圆点膝裤等均采用花缬工艺。缂丝，又称“刻丝”，始于唐朝，经北宋时期的迅速发展，至南宋达到极盛。当时临安、松江、苏州一带的能工巧匠创新出子母经、长短戗、包心戗和参和戗等多种缂法。纬丝色彩自由变化，形象生动地摹刻出唐宋名画家的书画，细致入微地表现山水、楼阁、花卉、禽兽和人物，以及正、草、隶、篆等书法，取得空前绝后的古代缂丝艺术成就。南宋刺绣同样达到精妙细致的高水平，宋高宗时期的临安城内就云集300多名技艺出众的绣工和画师，专为皇家、内苑绘绣各种服饰，被称之“宫廷绣”。官宦士大夫阶层的官服刺绣、贵妇的服饰刺绣，家用被面、装饰屏风、壁挂等则由“民间绣”完成。明代张应文的《清秘藏》卷上“论宋绣刻丝”记载“：宋人之绣，针线细密，用线止一二丝，用针如发，细者为之，设色精妙，光彩夺目……”从考古实物资料如“褐色罗地金彩纸贴绣缠枝花纹花边”、“绛色罗贴绣牡丹纹褡裢”“、绛色罗刺绣花鸟璎珞纹残片”“、绿绢地贴绫绣牡丹、飞蝶纹残片”“、褐色罗刺绣蝶恋芍药纹花边”等汇总当时刺绣针法有：平针、齐针、接针、套针、铺针、扎针、错针、掺针、戗针、旋针、施针、刻鳞针、长短针、盘切针、辫子股、打籽针、贴绣、满绣、盘绣、锁绣、戳纱绣等。女子服饰刺绣多见于领抹、对襟、袖边、褡裢、佩绶、荷包处，绣纹题材以花卉为主，其中穿插昆虫。南宋特有的社会条件促使当时的丝织技术空前发展，女子服饰材料以丝绸为主且品种丰富多样化，印花彩绘技术与刺绣缂丝工艺的革新使女子服饰高雅精致，为款式风格多样化提供条件。

二、杂糅再构之南宋丝绸女装艺术文化的创新

1.程朱理学对后妃命妇服饰的影响

学界普遍认为南宋女子服饰拘谨保守、简朴淡雅风格是深受理学影响。然理学始于北宋中叶，代表人物周敦颐、程颢、程颐、朱熹的身前政治主张并没受到当时皇权重视，后作为官方哲学在南宋后期宋理宗执政时才被推崇，在明清两代正式成国家统治思想，对世人影响达到顶峰。由此可见，南宋前期、中期的宫廷后妃、命妇正统服饰是北宋的沿袭，在后宫和官宦士大夫阶层对女子审美观念是崇尚清瘦儒雅之风；直到南宋后期女子袒领露胸服装在全国至上而下消失，缠足之风日渐盛行，南宋后妃命妇服饰趋向拘谨淡雅。南宋前期、中期的宫廷后妃、命妇正统服饰趋向高贵华丽。

服饰艺术论文篇（2）

在装饰语言上傈僳族服饰表现出丰富多彩，繁复有序的特点。如在服饰色彩选择上，傈僳族中的花傈僳族，其服装色彩源自自然花草植物、花鸟虫鱼，色彩斑斓，流光溢彩。在装饰物件上，各种珍贵宝石，珍珠玛瑙、金银玉坠，配以各种不同材质的花包、首饰、项链等，从头到脚被包裹在各种各样不同材质和形状的装饰物品之中。虽说傈僳族服装制作上并不以刺绣见长，但在整个民族支系中也有例外。生活在四川省盐边县的傈僳族服饰堪称傈僳族服饰中的贵族。其贵族气息不仅体现在其服饰色彩的华丽和惊艳，还体现在其服装图案刺绣的工艺与图案设计的丰富上。盐边傈僳族妇女服饰以红黄色为基调，通过条纹状的分割，在服装衣袖和主体上分割出许多不同大小的色带条纹，并在此基础上依次绣入不同形状的连续纹样，丰富的色彩，精致的图案使得盐边傈僳族服装显得既精致又华丽，充满贵族气息。不管怎样，无论是简约的结构，还是繁复的装饰语言，都是能够通过视觉呈现的。因此，相对傈僳族服饰元素背后的故事和意义，再复杂的服饰元素也是简单的。潜藏在服饰外表形式背后的内涵是丰富的，是难以用语言表述的，因为民族服饰一针一线都凝聚着民族的历史，反映民族思想，是生活百科全书，也是文化史诗。

节奏与韵律的美学原则

节奏是音乐术语，是艺术家敲击琴键所产生的或如高山流水般舒缓婉约，或如黄河大合唱般的激越豪情。节奏被引入造型美学范畴，是指点、线、面、体、色等形式要素的自由组合，呈现出疏密、虚实、刚柔、高低、上下、左右、曲直等诸多对比关系之间的有节律、有秩序、有强弱、有起伏的组合。节奏与韵律既有区别，又关系紧密，相互依存。节奏产生韵律，韵律彰显节奏。韵律是节奏的升华，是依据美的规律组合而成的节奏。傈僳族服饰表现出来的美感来自其服装与佩饰的组合，源于色彩有规律、有节奏的搭配。傈僳族服饰节奏与韵律的美感主要表现为静态美学、动态美感和音乐性节奏三方面。

静态美学。服饰是具体的、客观的、可视化的物质形式，具体的图像语言是产生节奏韵律的媒介。构成视觉形式的节奏元素有很多，重复、层次等都是产生节奏的要素。傈僳族服饰用色十分讲究，以保山地区的花傈僳族来说，她们的服饰色彩崇尚“好五色”原则，腾冲地区花傈僳以红、黄、绿、蓝（黑）、白五色来装饰自己的服装，并且五色分别都有其民族文化的指代意义。这五色从头到脚重复出现在整套服装的各个部分，以妇女上身穿的五色拼布坎肩（或马甲）最为突出，五色使用面积也大。傈僳族妇女利用大小不等的有色方布组织成片，既考虑了色彩对比的和谐统一，又注重各块方布块的大小对比，产生出明快、跳跃的节奏美感。下身以五色飘带裙和五色拼布围腰与上身五色坎肩相呼应，另外也在袖口、裤脚等地方配以小面积的装饰图文，整套服装显得既靓丽，又独具风采。

动态节奏：节奏不仅是静态的视觉呈现，也是动态的生命展现。客观世界处处都充满着节奏变化，摆动的钟摆、跳动的心脏、奔驰的火车、春夏秋冬的更替、潮起潮落等等，自然界充满着运动变化的节奏。傈僳族服饰的美除了它的华丽，它的色彩、它的装饰语言、它的结构特征，更在于它穿在傈僳族人民身上所发出的“民族气味”，这种味道是任何视觉美感无法替代的，也是这种美感、这种意味使得傈僳族服饰文化更加厚重，意味深长。傈僳族服装的动感节奏主要体现在傈僳族人民在行走中从妇女圆盘帽周围垂挂的珠串有节奏的摆动，到她们随身携带的装饰物质在人体运动中对身体有节奏的拍打，处处都显示出一种有节奏的美感。怒江地区傈僳族妇女的百褶裙有节奏的摆动，在两腿的带动下前后摆动，像花儿一样随风摇曳，表现出富有动感的节奏韵律美。

音乐性节奏：服饰似乎与音乐没有关系，然而傈僳族服饰却处处表现出悦耳的和声。从色彩搭配来说，傈僳族服饰用色自由大胆，鲜艳、纯度高是傈僳族服装用色的特点。傈僳族是个善于色彩搭配的民族，红、黄、蓝、白、黑等色彩在傈僳族妇女手中像艺术家调色盘上的颜色一样，自由摆弄，却妙笔生辉。从服饰色彩的搭配上来说，可以不夸张的说，傈僳族妇女人人都是色彩艺术家。傈僳族服饰讲究统一，因此每套服装都有一个统一的色调，在统一色彩基调的基础上，有节奏的色线、色带和色面，在五彩缤纷的装饰物的映衬下，犹如美妙的音符发出令人舒畅的乐曲。如果说色彩是悦目的和声，需要视觉联想才能感受到音乐般的节律。那么傈僳族服饰的挂件便能达到一种悦耳的听觉享受。傈僳族服饰的装饰品十分丰富，从妇女帽檐上垂挂的料珠、银坠，到胸前悬挂的项链，腰间的铜铃、竹铃，裙摆上的挂件等装饰品，无不在人体运动中发出碰撞的声响，由于人体运动的节奏，各装饰物件也随身体产生有节奏碰撞，发出有节奏的声音。尤其以傈僳族妇女腰间垂挂的铜铃、竹铃，更具特点。腾冲地区的傈僳族姑娘喜欢在腰间悬挂铜铃、竹铃，一般都以12只为准。竹铃和铜铃随着人行走运动，发出清脆响亮的悦耳声响。傈僳族服饰从视觉到听觉都给人一种音乐般的节奏美感，是一种悦目悦耳的艺术作品。

对比调和的艺术特征

对比，是在差异中显现，依据矛盾或相反的原理，把特征明显对立的事物组合在一起，形成鲜明强烈的对照，从而更加显现出各自的特征和内涵。对比可以产生明朗、肯定、强烈的视觉效果，造成强烈而深刻的视觉印象。黑格尔说：“有差别之物并不是一般的他物，而是与它正相反对的他物；这就是说，每一方只有在它与另一方的联系中才能获得它自己的（本质）规定”。［2］对比使物象的特征更明显，对比出生气。傈僳族服饰设计非常注意对比表现手法，黑与白、红与绿、大面积与小面积、繁复与简化、虚实对比等多种对比手法在傈僳族服装设计中处处可见。

1.色彩对比。色彩对比是艺术表现中最重要的手段之一，色彩对比表现为色相对比、明度对比、冷暖对比、纯度对比等。傈僳族服饰色彩鲜明，善于利用色彩对比，尤其以色相对比即原色对比见长。色相对比是色彩运用最原始、最基本的表现手法。约翰内斯•伊顿说：“色相对比是七种对比中的最简单一种。它对色彩视觉要求不高，因为它是由未经掺和的色彩以其最强烈的明亮度来表示。”［3］色相对比是人类早期用色的主要方法，原色对比利于表现人类原始和原本的情感，傈僳族在服装用色上用单纯的色彩表达他们丰富的情感。如前所说，傈僳族分为黑傈僳、白傈僳和花傈僳，即便是黑白傈僳族支系他们在色彩运用上也十分讲究。以怒江地区的黑傈僳为例，他们虽然以黑为美，但他们的服装并不是周身全黑，而是以黑色为主，配以白色、红色等局部装饰色彩，使整个服装特色鲜明，多变统一。黑傈僳族服装在黑色底色的基础上，在领口、袖口、围腰、裙摆等处用有色图案装点，在帽檐、胸前、腰带、等处配白色海巴，戴白色串珠等，整个服饰呈现黑白对比，黑色更加突出，白色更加纯正，显得朴素大方。

2.形状对比。形状是指物体边沿线相连封闭形成的图象，形状有规则的和不规则的。傈僳族服饰在形状对比中首先从服装的整体特征上呈现出方与圆的对比。众所周知，傈僳族男女都习惯戴帽子，而帽子的形状以圆形为多，帽子的尺寸都比较大，以大圆盘帽为突出特点。另外，傈僳族喜穿坎肩，从坎肩的平面造型来看，是方形。大裆裤的直筒式造型联接方形坎肩，使得整个服装形态整体上呈长方形特征。头上的大圆与身体的长方形形成特征明显的方与圆的图形对比。如果说傈僳族头帽象征着天，身体象征着地，那么正好形成天圆地方的哲学意味，象征着傈僳族人民头顶天，脚踏地的生命气息。傈僳族人民除了喜欢戴圆盘帽，在其服装的装饰物件中也喜欢圆形物件，以帽檐上的海巴来说是圆的，腰间戴的“依玛簇”是圆的，各种五色绒球璎珞是圆的。傈僳族服装的图形对比还表现在其服装拼接的布块上，傈僳族善于拼接，相传是傈僳族的男人们在外打仗，英雄得到的奖赏是各色布条，男人们将彩色布带寄回家，女人们依据布条特征将它们拼接在一起，成为五彩军功装。在历史的演进中，傈僳族逐渐形成了以拼贴为美的审美文化。傈僳族将不同色彩、不同大小、不同面积的五色布条有节奏的拼合在一起，在强烈的对比中展现其独特的文化意蕴。

3.虚实对比。虚实是绘画术语，在服饰造型中似乎有点不着边际，但仔细分析，服装设计也属于造型艺术，而且少数民族服饰以图案、色彩、装饰有别于汉装，其服装装饰图案的设计中虚实运用中要比汉族复杂得多。少数民族服装造型以“繁”、“多”见长，如何在繁、多的造型语境中体现繁而不乱的美感，虚实处理得当显得十分必要。傈僳族服装制作的虚实处理表现在服装的图案设计上，图案设计讲究留白。傈僳族服装多在领口、袖口、裤脚、裙边刺绣相关象征民族图腾或者反映民族审美追求的图案，这些图案一般都以小面积出现，与整套服装对比，我们发现有大面积的服装无修饰，处于单色空白状态，这一留白行为，正是傈僳族服装设计中利用虚实表现手法的反映。傈僳族在服装制作中将仅有的刺绣图案描绘在似乎不重要的边角地区，而正是这种有意的“虚”，却成就了它真正“实”的民族内涵。傈僳族对服装边角的处理，不仅在服装中起着点缀作用，美化服装，也反映着傈僳族人民的智慧，因为边角地区往往是最容易破损的地方，通过对边角进行装饰，通过刺绣能够对服装起加固作用，延长服装的使用时间。

服饰艺术论文篇（3）

人类服饰从防晒御寒、取悦异性的个体行为，到成为宗教礼仪、身份象征的社会附属物，再到今天世俗百态、异彩纷呈的个性形态的形成，经历了从自然、宗教、政治到情感表达的蜕变过程，已经发展成为一种以表达人类情感观念为主的新型艺术形态。这种以产品为媒介的新型艺术，迎合着商业文化的节拍，把当代人类的意识形态渗入了千家万户，其中，具有商业化和世俗化特征的后现代文化形态，在当代服饰艺术中就有着极好的表现与发挥。

1.解构的开始：解构就是肢解一切传统。它是后现代艺术的基础，旨在捣毁一切社会化的权威和地位，消除功利与欲望，追求自我和个体精神的释放。它是人类文化，从个体走向社会之后，又试图从社会回归个体的第二次飞跃的引擎，它强大的动力性把服饰艺术的传统形象肢解得面目全非。

传统的西服被分解成片，反串地分布到身体的各个部位，追求精致和品位的西服的固有特征受到了极大的嘲讽；隐蔽了数千年的腰部、大腿等人体敏感部位，被挖成空洞或故意翻开，性的社会伦理障碍被服饰轻易地消除；原本完整的裁剪，背离了人体工学的原理被任意剪断，又缝合，人体美不再是服装审美的唯一基础，服装设计的结构和功能也不再以适合人体的需要为基准……上好的毛皮被设计师撕成破旧的碎片，有意彰显出对高贵与奢华的反叛；人体被装扮得如虫、如鸟、如建筑、如雕塑，以表达对旧有人体形态的不满。服饰艺术发展到今天，似乎不论手法、格调、形式、内容，只要是对传统的反叛与颠覆，是与世俗功利不相干的自我意识的张扬与表达，就都称得上是前卫之作、高超之作。

2.拼凑的游戏：服装设计师对传统反叛与肢解的结果，并没有引起对现实更深的思考，以找到未来的路。相反，却将服饰艺术带入了更加没有深度、没有理性、没有风格的境地，它掀起了服装界拼凑、堆砌的风潮。不同时代的各种艺术素材，不同民族、地区的艺术形式可以同时作为设计的元素，社会突发事件、文化思潮、自然物、工业、生活用品，无论原始与现代、现实与梦幻、主流与非主流，都可以统统拿来，不加筛拣地拼凑在一起，不问目的，不究意义，只留下一堆供欣赏者自己解读的形式物语。

搭配与组合是这个时代服装设计的主打语。荒诞、奇趣甚至毫无道理的组合是常见的设计手法。Eun-Hwan的晚礼服设计没有结构线，没有缝纫的痕迹，只有一堆被堆积、搭错起来的面料样卡和破碎布头。Jalliano也常把垃圾布、碎纸、碎皮与牛仔、丝绸拼接在一起，为优雅高贵的“Dior”新品。它们不再是新风格的发明与创造，更多的是设计师个人戏谑本能的表达。服饰艺术梦回到游戏的边缘，将各种不相干的东西放到一起来玩味，是游戏的本能状态，也是艺术的超脱境界。

然而，“人们联结断简残篇以创造杰作，在这个过程中，连续性遭到破坏，艺术主题也被打乱……”当代设计师的任务似乎只在于将不同的艺术形式拼凑、折中或综合，它使一切深邃的思想、积蕴的文化，都走向了平面化，陷入内容缺失、精神匮乏的巨大误区。至此，我们似乎已有所觉察，新奇热闹的后现代服饰背后，却隐藏着人类精神的巨大危机。

3.形式的夸张：人们凭感性的冲动打破了传统，却无力收拾破碎的局面，理性的缺乏使设计师只能暂时将碎片拼凑在一起，把玩孩童般的游戏。然而，内心的空虚，最终只能靠形式的夸张来哗众取宠，这是拼凑组合的极端表现。

张扬的造型、戏剧化的妆容、高纯度的用色以及面料的随意搭配，都是后现代服饰的典型特征。这个时代比任何时候都更注重形式感的运用。T型台上的模特打扮得更像一个个丑怪鬼神，极具视觉魔力；硕大的蜘蛛、蜥蜴状的装饰物，配合高科技的光电效应，可以淹没服装的功能，成为设计的主体；层叠的褶皱、拖长的裙裾、膨大的造型、高束的发髻，体积感、体量感被无限地强调，超出了人体美的极限；在细节上，刺绣、缀饰、花边等工艺反复运用，繁杂、奢华到了极致……耐人品味的简洁风气似乎很难再回归，形式上的繁复与夸张最终沦为日益花哨的空壳，它标志着设计师内在魅力的匮乏，已经退化到了直接震动感官的地步。

后现代的产生原本是想超越现代，解决现代主义面临的困境。然而，它缺失的内力使其只有肢解的精神，却无拯救的体力，只能在一番疯狂的宣泄后耗尽自身的能量，萎缩而战，陷入缺乏生命意义的花哨浅薄的形式主义。服装功能的不断弱化，造型的无限夸张，乃至性在服装上的过分表达，都表明了这种生命意义匮乏之后的最后挣扎。

4.世俗化：服装的魅力下落到依靠本能刺激的地步是文明的悲哀，而后现代时期商业文化的飞速发展又注定了这种悲哀。商业时代的到来使许多艺术成为产品，许多产品也成为了艺术，艺术不再只是上流社会的独享、博物馆的馆藏，它开始步入世俗、平民的生活中，与生活日用品合二为一；高级时装不复存在，服饰艺术进入寻常百姓家，也把芸芸众生带入了时装艺术的殿堂。设计师开始为大众设计新品，而每一个消费者又都是新品的欣赏、观摩和评判者，他们的喜好主导着服装流行的潮流，成为艺术灵感的源泉和艺术创作的再造者。这使得服装的品种日益增多，流行周期也迅速加快，转瞬即逝、眼花缭乱成为服装设计的代名词。而设计师的作品要在纷纭的市场中迅速抓住消费者的眼球，必须依靠形式上的张力和刺激，因而，世俗化就成了形式夸张的外部驱动力。

这种日益世俗化的趋向，是商业文化发展的结果，也是后现展的必然。它降低了艺术的身份，推动了人类服饰流行的蓬勃发展，却也使服饰艺术丧失了其内在的精神与活力，完全成为商业的附庸。

结语

后现代一面使服饰艺术空前繁荣，人尽其言，物尽其语，表现出人类文化的极度宽容，一面也使得服饰艺术进入了不知所云，不明所往的虚无境地。这种源于西方却席卷全球的后现代艺术现象，有人称是晚期资本主义衰败的征候，表现出当代西方文化的困窘处境。认清貌似繁荣的后现代服饰现象的真实面孔，给还在盲目跟风的国人以警醒，便是本文的意图所在。

参考文献：

[1]包铭新《西方后现代服饰》江苏美术出版社2001年

服饰艺术论文篇（4）

一、古代服装的演变

秦朝统一了中国，在进行了一系列重大改革之后，经济开始发展，政权逐步稳固，封建社会成熟，服制也更加严格。秦尚黑，始皇规定大礼服为黑色祭服，衣色以黑为最上，三品以上的官员用绿色，平民用白色。衣料重锦绣，纹样繁复。秦汉时期深衣的发展，使“深衣广袖”极具古代服饰的代表性。深衣有着千年的发展历史，在封建王朝的统治下，占有重要的主导位置。汉朝沿袭了深衣的形式，冠服制度，也大都承袭秦制。西汉时期建立的“丝绸之路”对古代服饰产生了深远的影响。“文景之治”带来了经济的繁荣，汉朝服饰由俭入奢。丝绸出换进来的珠玉犀象、琥珀玳瑁等饰品，织绣工业的发达，使汉代的衣着水平提升。魏晋南北朝时期，受佛道思想的影响，宽衣广袖成为上至王公贵胄下至平民百姓的流行服饰，服装力求俊逸潇洒。文帝曹丕制定了九品官阶服制，用紫绯绿三色区分九品。这一制度一直沿用到元明时代。隋文帝结束战乱，统一中国，政治稳定，厉行节俭，不注重服制等级，服装制度杂乱。隋炀帝即位后，为了宣扬皇帝的威严，结合前朝制度建立了本朝的服制制度。妇女戴幂罗的外出装扮，皆吸收融合了南北朝时期胡服的特色，对唐代女服有很大影响。唐朝政治、经济文化繁荣，服饰文化得到空前的发展。唐朝经济的对外开放，使得“浑脱帽”、“时世妆”得以流行。形成了中国古代服饰史上的第三次变革。此时黄色成为皇帝专用色，是帝王的象征。由于经济文化的对外交流，唐代妇女服制形式开放，汲取了北方民族服饰的特点，尤其胡服盛行。在唐代的壁画中，出现了袒胸露臂的妇女形象。《簪花仕女图》中高腰襦裙，半抹胸，外披大袖纱罗衫，衣料透明，肌肤若隐若现，足见当时的开放程度。日本的和服、朝鲜服、韩服均吸取了唐、明时代的精华。日本和服更是继承了大袖衫的服饰特征。唐装多变、服饰大胆，成为中国服饰史上的一朵奇葩。宋代沿袭继承了唐代服制，稍有革新，出现了褙子。辽金元为少数民族掌权，各自继承了民族特性。明代恢复了唐代冠服制度，女子上衣比唐代拉长。由于明代政府非常重视农业，推广棉业，棉布得到普及，普通百姓的衣着也得到了改善。明朝因帝姓，以红为正色，但平民禁用大红色。最有特色的是用“补子”表示官员的品阶。文官的补子用鸟，武官用走兽，各分九等。清兵入关后，推行“剃发易服”，男子服饰按满族习俗，官服为长袍马褂。清代女着旗装，外罩坎肩，花样翻新，颇为流行。

二、近现代服装的演变

1840年鸦片战争以后，由于帝国主义的入侵，我国逐步沦为半封建半殖民地的社会。同时，受西方资本主义文化的影响，西式服装流入中国。但男子的服装还是以长袍、马褂为主，一般用于交际，妇女普遍着满式旗袍。后来旗袍经过改良，已成为中国具有代表性的服饰。从清末民初到三十年代，旗袍成为女性的主要服饰之一。衣袖的宽窄、长短；衣领的高低；下摆由长至短，由短至长；衣料由俭入奢，由奢就俭，都受当时的政治经济文化的影响。而辛亥革命后，受革新思潮文化的影响，男子服装中出现了中山装。但主要服装还是长袍、马褂。20世纪80年代，改革开放，香港来的洋装，喇叭裤、牛仔装，西方的西装逐渐占领了市场。而今，随着经济的繁荣、世界服饰的融合发展，带有政治色彩的服制制度早已不复存在，现代人在服饰上追求个性、时尚、多变。人类服饰文明历经了几千年的发展演变，凝结了民族审美和文化。现今人类需要思考的服饰问题是环保和可持续发展。随着科学技术的再发展，服饰也终将进入新的文化领域。

作者：刘秀东 单位：河北科技大学唐山分院

服饰艺术论文篇（5）

这一时期的女人被称为“行走的花园”。在洛可可时代，紧身胸衣和裙撑再次流行并达到极盛，胸衣经过适当剪裁并配上精美别致的V形饰物，加之束腰、臀部的裙撑，这样不仅使女性腰部更加纤细，而且坦胸礼服使女性显得更加性感妩媚。不仅如此，在领口、袖口衬裙、罗布上装饰着精美华丽的蕾丝花边、蝴蝶结、缎带、皱褶和鲜花，这些装饰使得女性更显柔媚、华贵、优雅、浪漫。欧洲各国的沙龙聚会使得洛可可女装得以充分展示，也左右着贵族和上流社会人们的喜好。女性常常为了参加一场聚会而花费一个上午精心打扮。沙龙中的女性是主角，上层主流男性的赞美与社会环境促使洛可可女装装饰方面达到令世人惊叹的境界。

这个时代的女装的风格荡漾在娇媚、秀艳的旋律中。有两个明显的特征，一是流行华托长衣，装饰以丝绸花边，前胸有珠宝及缎带蝴蝶结附在其上，特别是袖口呈花朵造型，花瓣用轻薄华美的蕾丝层层装饰而成，被称为华托服。二是吊钟形袍衣罩裙，上配紧身坦胸荷叶袖上衣，再度使用裙撑架。1715年，巴尼尔裙撑出现，巴尼尔裙撑用柳条或鲸骨制成，形状如同农村妇女的菜篮子，裙撑的主要作用是夸张女性的臀部及两侧，到了洛可可时期（1740年后），这种圆锥形的鲸骨框逐渐发展成非常庞大的半圆形，以形成巨大的扁裙。在整体造型及视觉上产生节奏变化，突出女性高贵的气质和优美的身姿。在女性头饰方面，前中期流行戴“细薄棉头巾”，后期出现了西方服装史上有史以来最夸张的发型及帽形。

服饰艺术论文篇（6）

清代服饰图案是我国服饰发展的一个重要历史阶段，它以极强的生命力浇灌和渗透在现代纺织品设计的领域中。只有在深入领悟了清代图案的艺术精华之后，再在现代西方设计思潮的基础上，才能打造出属于我们自己的同时又是国际的现代纺织品设计。

服饰艺术论文篇（7）

图纹的符号再现代表了彝族人对大自然中美好事物的紧密追随，是彝族历史文化、生存坏境、审美情趣、的重要文化传播载体。对火的崇拜源于彝族人在生活生产方式过程中的深刻体验，火焰传达的光明与炽热给彝族人带来了感性依托，以此进行理性的凝练提取火焰的本质符号形式。所以，火纹承载着彝族古老的传说，被赋予深厚的情感意义，凉山彝族人用纯朴的气质充分运用艺术想象，通过弯曲程度不同、方向不一、位置考究的曲线来表示火焰的熊熊燃烧、气势磅礴。或是出现过于具象的单独太阳符号，具有装饰性、通俗又有现代感。在彝族人选择服饰纹样表现形式时，从自己的审美角度出发，选取了最普遍的自然物象，用跳动的火焰形态，将动态静化，也从中表明了彝族人丰富的创造力。

2、综合象征式

图纹符号的象征式集合了凉山彝族人的在文化观念、审美价值、生活理想等多方面的内涵意蕴。综合象征式是一种具有很高的艺术价值、表现手段高度凝练的表现形式。凉山彝族火纹的综合象征表现形式手法的表达，使火纹兼具多种非单一的象征意义，将形态各异的火纹进行排列组合并且与其他纹样进行相互搭配、彼此呼应，使得同时存在的各纹样之间构成了相互补充的内在涵义。例如，凉山彝族服装中出现火纹与具有共同情感寓意和自然特性的龙凤纹、寿字纹的穿插组合，强调了其他纹样而简化了火纹，构成了新的图案整体。这种表现形式新颖独特，额外赋予火纹的意蕴为凉山彝族服饰注入了博大的文化内涵。

3、抽象几何式

图纹符号的几何式通过几何形体具备的简单概括、可造性空间大、排列形式层次感强、视觉冲击力强的特点，在表达火纹的运动规律时更为概括明了，富有丰富的内涵。火纹的抽象几何表现手法能更加简洁的诠释自然现象中的现象，成为彝族人对自然美的概念性表达。例如，凉山彝族服装中对火纹进行抽象简单的演变，将它简化成类似逗号的极简符号，这类抽象几何符号既生动有力，又不失女性的温婉可爱的特质，给凉山彝族服装带来生机活力。

服饰艺术论文篇（8）

2民族优秀服饰文化对现代服装教育的启示

如今中国服饰文化的自主意识已经觉醒，但是服饰文化几乎进入全盘西化的主流境地并没有根本改观。如何对民族概念和传统文化进行创新设计以及时尚化推广，还需要从民族优秀的服饰艺术文化中寻求理论指导和专业反思。

2.1挖掘民族服饰的装饰美感，提升专业理论课程的传统文化底蕴

目前服装院校的课程设置和理论指导都受到西方设计思潮的影响，学生的设计作品也体现出崇尚西方文化的倾向，这一切都反映出服装教育中传统文化因素的薄弱。如果教师忽视传统民族服饰文化的研究，在教学上没有引导学生关注传统，热爱传统，学生必然容易产生对传统民族文化的淡漠和轻视，其影响使学生在进行设计实践时缺乏自己的个性特色，盲目追求模仿西方设计，最终导致设计能力贫乏而被市场淘汰。因此，摆在我们面前的任务首先是对民族服饰艺术价值的重新认识。理解民族服饰中装饰美感在现代视觉设计中的重要作用，由于民族服饰的装饰美感不借助任何规则或解释，纯以例证（指直觉感受）提供视觉逻辑的一种独特形式美。[3]只有通过理论课程的形式将民族服饰中的装饰视觉原理由感性知识上升为理性知识，才能实现有效运用设计语言对优秀的民族服饰艺术进行时尚化设计。其次，从现代美学的立场出发，以合乎21世纪人类社会需求的新型服装设计人才培养模式为目标，不断加强传统民族服饰审美的学习和研究。同时在整个过程中始终不能忽视对人类当代审美心理，包括形式、功利、技术美感等价值的探索和研究。鉴于实际教学条件和师资配备，可以在专业课程设置上发挥科学性，减少泛泛而谈、缺少针对性的授课内容，重点突出主题式讲授，以案例的形式引导学生发挥主动性寻找兴趣点对传统民族服饰艺术的某种装饰形式进行更深的梳理和细致挖掘，将专业理论课的授课价值发挥到最大。整体而言，地方院校的服装设计课程设置对民族优秀服饰文化资源的挖掘和汲取还存在明显差距和不足，还有大量艰苦细致的工作要做，同时也存在大有可为的广阔空间。

2.2利用地方手工艺术活态资源提高专业实践类课程的传统技术含量

我国是个手工业大国，有着手工艺术的悠久文化传统，而广西的传统手工工艺更是显现出丰富的活态特征，这些都成为服装设计作品的生命力来源。民族服饰的制作过程是追求设计美的过程，是用视觉形态与审美关系体现出来的各种抽象概念的物态组合，这也正是服装设计的精髓所在。当今的服装设计理论已经相当完善，设计的重点已经由服装款式和外轮廓形转移到服装的工艺创新上来。在服装设计教育中，服装制作工艺的实践能力和工艺文化的运用能力都是检验学生学习效果的重要标准。但现代高等教育的教育目标不是停留在工匠的层次上，而是通过掌握服饰装饰手工艺，如镶、嵌、滚、盘、绣、包等工艺的基本制作工艺，提高学生的动手能力，以传统制作工艺带动创新思维，实现技艺认识上的升华，从而寻找到贴切的设计语言对传统服饰进行设计创新。此外，理论与实践相结合形成完整的知识体系也有利于传统手工工艺的传承与发展，实现对服饰文化遗产的合理保护，促进高等艺术教育担负起传承人类文明和保护人类珍贵遗产的重任。由此可见，地方高等服装教育在课程构建中要体现艺术文化理论课程与手工艺实践课程承接与结合的合理性。精炼课堂教学内容，加大实践教学环节，在教学中以启发式、讨论式为主，采用理论与实践相结合的教学方式，学生边学习边实践，在实践中验证理论，用理论指导实践。一方面，通过民族艺术专业理论课程的学习，开阔学生的审美视野，丰富学生的人文知识内涵，了解传统造型规律和传统审美意识及习惯；另一方面，通过服饰手工艺实践课程吸收、消化理论知识，让抽象空洞、枯燥无味的理论知识变得真实而生动、具体而深入。最终完成设计教学中“头脑—心灵—手”的密切联系。

2.3建立以传承、创新、推广民族服饰艺术为核心的产学研运行模式

以地方民族服饰资源的开发利用为出发点，针对这种显著的地域特色与民族文化，根据所在区域对服装行业人才需求的特点，在服务当地社会经济发展和文化繁荣中获得支持与发展，办出自己的特色。在摸索服装专业产学研模式时，可以考虑确立“传承民族、时尚创新、营销推广”三位一体的市场化的工作室模式，充分利用现代工艺实验室的教学资源和工作室的信息资源，将民族服饰艺术理论课程以立体式结构展开，通过其他课程如服饰工艺课程、设计课程、展示课程、品牌课程等的加入，实现对民族服饰的创新和推广。在教学中产生的创新设计可以通过专利权、非专利技术转让、新设计研究与开发等形式，与企业建立人才培养联系。通过工作室的外务联系直接回馈市场的需求信息，使民族风格的自主设计作品在市场运作中不断改进创新，完善专业理论课程的更新。以服饰配件课程为例，根据工作室反馈的市场需求进行指定民族风格的设计教学，然后将设计作品以系列形式推向市场。合理安排课程学习和社会实践，让实践环节更加贴近市场发展需要，这样既可以锻炼学生的创新能力，又可以解决一些实际的技术问题，丰富并验证民族服饰理论课程的相关成果。

服饰艺术论文篇（9）

凉山彝族服饰在漫长的历史发展过程中，形成了自己独特的特色，尤其是服饰图纹凝聚着彝族人民千百年来形成的美学、宗教、政治、哲学及文化习俗等方面的传统观念，是窥见彝族历史、生活的画卷。通过搜索与整理，关于凉山彝族服饰图纹的文章共有119篇左右，其中多数文章运用艺术本体论的研究方法来研究图纹起源色彩，有些文章也运用了符号学、艺术本体论、图像学等方法来阐述。通过对以下几篇文章进行分析概述来阐述凉山彝族服饰图纹，从而使我们更好地理解其深层意义。

《彝族服饰图案元素在现在服装设计中的应用研究》来自于《东华大学硕士学位论文》，作者邓军文。文章运用艺术本体论、人类学以及传播学的研究方法对彝族服饰发展的历史沿革进行了分析与研究，对彝族服饰图案进行分类研究以及服饰图案在现代服装设计中的应用。文章第四、五章阐述了彝族服饰图案元素及文化寓意以及在现代服装设计中的应用研究，基于图案与服装风格及审美意趣塑造的内在联系性，对不同类型彝族服饰图案元素的应用方法进行了分析与研究，并以实例加以说明。

来自于《四川戏剧》的文章《凉山型彝族服饰中的蕨笈图纹探源》，作者：李莹莹，张苏。文章运用艺术本体论、图像学的研究方法系统地介绍了蕨笈图纹的来源及构成方式及所代表的文化内涵，引用了历史文献及传说故事来阐述他的观点，作者认为蕨笈图纹带有宗教色彩，由逍喂雇肌⒕衡对称、植物模拟形组成的构图方式，是彝族人民对美的追求和渴望。

《凉山彝族毕摩与苏尼的宗教服饰》来自《中国民族报》，作者王桦。文章运用了艺术人类学的研究方法介绍了毕摩和苏尼的服饰特点，凉山彝族宗教服饰是其原始宗教的载体，如“虎眼神笠”和毕摩佩戴的鹰爪直接反映了凉山彝族以虎和鹰为图腾的图腾崇拜。

《凉山彝族服饰图纹类型及宗教内涵》来自于《大家》，作者刘海燕。文章运用艺术本体论、艺术人类学的研究方法介绍了凉山彝族服饰图纹有植物类图纹、器物类图纹、动物类图纹、自然现象类图纹四种纹样类型在服饰中经常综合使用，其宗教内涵有植物崇拜、自然崇拜、动物崇拜。作者认为“服饰图纹与原始有关，将大自然中的物象以图符物化的形式移植于他们的服饰，将其传统的原始宗教观念融汇于此，其丰富的宗教内涵使彝族服饰成为本民族的一个重要标志”。

《凉山彝族服饰设计符号研究及传承与利用》来自《苏州大学硕士学位论文》，作者冯燕。本文用西方的符号学来梳理比较彝族服饰中的传统符号，并分析其形式、意义，引入了符号学的概念，以设计符号学的理论对彝族服饰设计符号进行分类研究，提出了彝族服饰设计符号及面临的问题和对彝族服饰设计符号的传承与应用进行了探索，有利于在现代设计艺术中进行应用、传承和发展。在第三章的部分作者运用符号学的理论分析了彝族服饰图案设计，可以把彝族服饰图纹看成是一个独立的视觉符号群系，这个独立的符号群系是彝族主观思想和客观的自然与社会交互作用的特殊表现，它是彝族历史、文化的结晶。

《民族艺术的活化石――凉山彝族服饰探析》来自《黑龙江民族丛刊》，作者马山。文章提到依诺地区男人上衣饰的花纹、图案纹样与色彩与女人的不同之处。作者指出可以从服饰图案纹样、色彩的搭配及款式等方面反映了彝族人对自然的理解和崇敬。

《彝族服饰中刺绣纹样艺术特点及美学价值》来自于《学术论坛》，作者是杨渝坪。作者运用艺术本体论、艺术人类学、图像学等研究方法从刺绣的类型、艺术特征和美学价值上探讨彝族服饰刺绣图纹的文化内涵，按图案探讨其中典型的马樱花、四方八虎纹、马牙裹布绣等所特有的象征意义。这些服饰图纹反映出彝族“特殊的祖先崇拜和先民图腾崇拜及朴素的哲学观念”，刺绣纹样多层次地折射了彝族特有的审美观和民族文化心态。

《凉山彝族服饰元素在现代服装设计中的应用研究》来自《浙江理工大学硕士学位论文》，作者尤伶俐。这篇文章主要针对的是凉山彝族自治州境内的凉山型彝族服饰进行探讨，主要从设计艺术学、符号学、服饰美学、服饰心理学、民俗学等多角度，进行综合性的、交叉性的理论研究。文章的第三部分运用图文结合的方式以及归纳法总结了凉山彝族服饰图纹的特点，具有直观性，将部分典型图案进行阐述。

来自《云南师范大学学报》的文章《彝族服饰图纹类型、艺术特点及美学价值》，作者范例。文章介绍了彝族服饰图纹式样分为“几何型图纹，图腾式图纹，花卉、鱼虫图纹、自然景物图纹”等四种类型，其艺术特点是“融入外族及现代艺术成分、崇拜性思想的反映、以自然美作基调、多元化的整体美”，其美学价值主要从记录彝族的历史、文化习俗反映融会在宗教、信仰中的哲学思想和具有超越时空的衡定性艺术魅力上得到体现。作者认为服饰图纹彝族主观思想和客观的自然与社会交互作用的特殊表现，它是彝族历史、文化的结晶。

《凉山彝族服饰文化的符号学研究》来自于《中国优秀硕士学位论文全文数据库》，作者周丽华。这篇文章从人类文化学出发的符号学方法论，来梳理凉山彝族服饰这一符号文化形态，并深入分析组成服饰符号形态的下级各类符号，比如服饰色彩、服饰图案、服饰配饰、服饰工艺和布料等，以及各类符号的形式、意义。透过对服饰符号系统及组成符号的深入研究，了解彝族服饰的发展历程，解读服饰所隐藏的历史文化，探寻凉山彝族独特的审美意识，体会凉山彝族服饰的博大内涵和独特魅力，以引起社会对凉山彝族服饰的关注和重视。第三章主要介绍了凉山彝族服饰中各种图纹符号的类型来源及其构型原则，从中发现凉山彝族极力追求一种人与自然和谐的美。

服饰艺术论文篇（10）

前言：

装饰艺术是现代服装设计的启蒙老师，两者在发展历程中相辅相成，虽然完全独立却相互影响和互不分离。从某种程度而言，现代服装设计是装饰艺术的发展和演变历史，因为无论是中国具有传统性的装饰艺术，还是西方具有古典性的装饰艺术，在现代服装设计的发展过程中都有着深刻鲜明的呈现，是中西方不同社会文化的具体展现。服装设计的发展和演变过程比较深远，其不仅是社会进步和人类文明的象征体现，还随着社会的发展不断发展，一方面与人类生活紧密相连，另一方面又影响着社会文化的发展进程，因此服饰文化具有社会意识形态，是适应人类生活水平和社会文化发展的产物。例如：唐朝时期的服装精致多样，其样式和设计展现着唐朝崇尚胖为美的社会文化。另外，服装文化伴随着社会文明的繁荣而发展，从男耕女织——工业革命——信息化时代，这些历史阶段的发展过程中，服饰的发展逐渐丰富多彩，而装饰艺术对现代服装设计的影响也逐渐深远。

一、服装设计与服装艺术的定义和联系

1、服装设计的定义

服装设计涉及心理学、市场学、美学、材料学、色彩学、文化学、工程学等学科，是一门综合性较强的专业。服装设计的过程较系统，主要包括构思设计对象、绘制实际图像、完成效果图、剪裁缝纫服装等环节，而这一系列过程中最重要的是服装设计，因为和衣物制作不同，服装设计要在实用性的基础上强调个性化，从而实现实用性、个性、美观性的集合。

2、装饰艺术的定义

广义范围的装饰艺术是指艺术地修饰。装饰一词在西方源于17世纪，而中国则在5世纪至6世纪时期便已出现，主要指依附于主体的雕塑或绘画工艺，这种艺术形式不止包括对形式美装饰艺术的追求，还包括象征性和抽象性。狭义范围的装饰艺术是指根据形式美的规律抽象变形地对艺术形象进行加工整理，最终形成形式美的艺术风格。在艺术风格的整理加工中装饰艺术使用了节奏、韵律、秩序、统一、平衡的形式规则。

3、服装设计与装饰艺术的联系

在某种程度上，装饰艺术是依附服装设计的，因为装饰艺术要展现美感必须依靠服装，例如：新时期的彩陶装饰是变形夸张的图形，这种装饰艺术给彩陶带来了艺术美，服饰的装饰也是一样，尤其是当今时代，现代服装设计和装饰艺术更是密不可分。在服装设计的发展过程中，装饰艺术和服装设计虽然完全独立，却一直相辅相成，相互影响。

二、装饰艺术对服装设计的影响

1、装饰艺术影响着服装设计的理念

艺术家创作时，先从生活中择取生活素材，通过加工制作创造出艺术形象或者文学形象，而创作时期的思维活动便是形象思维的具体流动过程。从古至今，服装设计的灵感丰富多彩，来源于民族文化、生物学、社会文化等的缩影和影响，因此装饰艺术影响了服装设计的理念，而这种理念影响主要包括艳丽色彩、夸张造型、环保意识等思维形式的应用。

2、装饰艺术影响服装设计的实践

在服装设计的实践中，服装设计的灵感已经不再只是传统的抽象思维和自然事物，而是装饰艺术的灵感，例如：摩洛哥靠垫、中国龙图腾、巴布亚屏风等，这些意象已经成为服装设计直接使用的素材，因而服装设计的一大亮点便是直接现实性。从根本上而言，一方面装饰艺术的成熟发展使灵感来源可以直接在服装设计中使用，而另一方面设计师又使用装饰艺术对日常生活产生影响。

三、服装设计中装饰艺术的应用

1、服装设计中装饰艺术的色彩使用

由于色彩给感官的作用鲜明直接，因此服装设计的色彩使用是重点内容。色彩既有自然属性，又有社会属性，双重属性中自然属性比较固定，因为生理属性的作用使人类在色彩反馈方面具有稳定性和一致性。而随着社会变迁，色彩的社会性被赋予了不一样的文化内涵，甚至地域不同，色彩社会属性的意义也会不同，因此装饰艺术中的色彩具有丰富性，尤其在服装设计中，色彩应用对服装的心理效果、视觉效果、文化特征等都造成了直接的影响作用。

2、服装设计中装饰艺术的材料使用

伴随着社会的不断发展，服装设计中材料的使用也在不断发展和变化。原料选择从开始的树叶草皮和动物皮毛发展到丝绸、棉麻、雪纺、皮革、呢绒、牛仔等材料，材料的发展丰富了服装设计的原料选择性。同时，装饰艺术上的使用材料也在逐渐发展，主要有石器、贝壳、木材、绳索、金属等，由于这些原材料具有天然属性，因此装饰艺术展现出粗糙、莹润、透明、细腻、奢华等丰富视觉效果，而装饰艺术对服装设计的思维重组，使服装设计中出现更多的时代感和个性化作品。

3、服装设计中装饰艺术的图案使用

广义范围的图案是指事物的结构色彩和造型样式，服装设计中的图案是指具有艺术性的装饰纹样，服装设计的图案主要有人像、动物、花卉、风景、抽象图形、几何图形，这些图形按照杂乱或者规律的形式在服装上进行排列布局，从而使服装具有特殊的艺术感染力和强烈的视觉冲击效果。随着科学技术的进步，服装设计的图案使用更加便捷灵活，因此更多的服装图案衍生出来，而服装的装饰文化也更加丰富多彩。

四、讨论

服装设计和时展紧密联系，根据服装的特点可以对时代的文明程度、科技水平、经济条件、生活习惯等进行判断，例如：中国文化具有礼仪性和保守型，而西方文化具有可塑性和开放性，因此两种不同文化在服装体现上具有很大的差异。由此可见，装饰艺术和服装设计的关系研究不仅属于艺术范畴，更是探究人类文明的演变历史，通过对装饰艺术和服装设计的研究，可以使我们真切地感受到每个历史阶段的社会文化和时代个性，从而发现冰冷文物和文字下鲜活的时代精神。

参考文献

[1]姚姗姗.装饰艺术对现代服装设计的影响[D].辽宁师范大学,2011.

[2]佟子健.装饰艺术对现代服装设计的影响[J].大众文艺:学术版,2015(14):122-122.

[3]车岩鑫,王健.装饰艺术在现代服装设计中的创意与表现[J].纺织导报,2014(7):110-112.

服饰艺术论文篇（11）

大学生刚进入高校学习，他们还保留着高中生阶段的活泼、好奇和冲动。大学生对自我认识还未成熟，对自身的定位非常困惑，大学生正处于青春期，喜欢追赶时尚潮流，关注服饰的流行趋势，他们希望通过美丽的外观，赢得自信与肯定［3］。但由于对自身身份和服饰环境的认识不足，导致他们的服饰衍生出许多与他们的身份不相适宜的打扮。对于高校非服装专业的同学来说，很多杂志、电视、明星的着装让他们感到非常羡慕，但对服饰的流行文化了解得非常少，大学生只是针对当下流行的简单复制。在各种媒体日益发达的今天，电视、网络、报刊杂志对流行的造势，最先接受时尚变化的是青年学生，在对流行变迁的追逐过程中，更替一个又一个流行［4］。但他们不懂得什么样的流行适合自己，不能把自己最美好的一面表现出来。大学生在高中阶段更多精力投入文化课的学习，对服装艺术的了解也是非常片面，如对国内外服装发展的历史，世界各个民族服饰的艺术魅力，服装风格艺术等都了解甚微，大学生现有的服饰素养，普遍不适宜将来步入社会工作、生活、社交礼仪等需要。

高等院校如何开展服装艺术教学

提高学生服饰审美能力是公共服装艺术教学的灵魂与核心。审美能力是指人们认识与评价美、美的事物与各种审美特征的能力，也就是说，人们在对自然界和社会生活的各种事物和现象作出审美分析和评价时所必须具备的感受力、判断力、想象力和创造力。服装艺术欣赏的课堂应是一个个性化的课堂，一个理论与实际生活相结合的课堂。使学生领会服装艺术之美，懂得以自己独到的审美品位和修养，以宽广的胸襟和艺术视野正视众多的地区、民族和不同时代的服饰文化。可通过以下教学内容达到上述教学目的。

1服装概论

许多高校学生对与其密切相关的衣食住行之首的衣的起源、各种形式服装的分类、中西服装发展的主要脉络、服装色彩、材质和流行趋势等服饰相关内容了解都是缺乏的，使大学生对服装艺术产生一种神秘感。在公共服装艺术课程中，开设服装概论章节的内容，使学生对服装的基本知识有所认识，从文化、人类学、美学、人体工程学和社会心理学等角度，全方位分析服装学的概念、属性、范畴、服装与人体的机能、时空关系与服装演变，服装的造型美与色彩美，为他们揭开服装艺术神秘的面纱，让学生领悟服饰的文化内涵，开阔学生的艺术视野，为日后深入学习公共服装艺术奠定基础。

2服装风格分析

大学生对服装认识是主观的，非理性的，他们对自己服装搭配也是盲目的，对服装各种风格搭配知识也是缺乏理性认识的，常出现各种不合审美习惯的服饰搭配，穿出不得体的衣装，让人啼笑皆非。大学生通过对服装基本风格（古典派、优雅派、柔美派、民族派、现代时髦派、先锋派、男士派和运动派）了解，使他们对不同服装风格的面料、材质、色彩、廓形、细节等表现有了理性的认识，提高了他们服装审美能力，并指导其穿衣搭配能力和自我个性形象塑造。

3中国民族服饰赏析

让高校学生了解多姿多彩的国内民族服饰特征，领略各个民族的服饰文化。中国是一个多民族共存的国家，各民族在漫长的历史发展中，创造了优秀的民族文化，其中绚丽多姿的服饰文化是中国文化的重要组成。高校大学生对中国民族服饰认识是肤浅的，通过此环节内容的讲解，使他们初步掌握民族服饰的特征和内涵。通过介绍部分中国民装的典型外部特征以及文化内涵，使他们在赏析民族服饰的同时，激发爱国主义热情。此块内容的教学，在实现公共艺术教育的同时，也实现了爱国主义教育。

4服装设计美学

从现代时尚潮流的文化背景入手，以艺术形态的自然美和艺术构成的形式美到现在流行的个性美、另类美和休闲美的文化解析为专题进行探讨，提出服装设计美学发展的文化指向，以设计实例解析流行时尚艺术风格美的文化内涵，提出美学理念，分析心理和文化背景，解剖哲学和美学内涵，结合设计案例，使得这些具有浓郁文化艺术内涵的设计美学理念深深印入大学生的脑子里，从本质上让他们了解服饰美学真正内涵。

5国内外著名设计师品牌赏析

琳琅满目的服饰品牌让大学生眼花缭乱，他们缺乏对服饰品牌正确的认识和对服饰品牌文化理解，通过此部分内容的讲解，使他们了解国内外知名服装品牌的概况，在讲授服饰品牌文化特征的同时，讲述设计师的成长经历，设计风格和品牌的发展历程，剖析设计师的设计思想，分析他们的作品，使学生对服装艺术有更深层次的认识和领悟。设计师励志创业故事也激发他们对学习和生活的斗志。

6大学生服饰搭配技巧

讲解大学生服饰搭配技巧，有助于学生理解服饰美的内涵和服饰美对人物整体形象美发挥的作用。通过妥善运用服饰装扮的技巧更好地进行形象设计中服饰形象的设计与创意，从而提升整体形象设计的效果与层次。以案例分析的方式，让大学生逐一领会，循序渐进穿衣搭配的三个不同层次，即得体、美观和风格。重点介绍大学生的日常生活中常遇到一些场合，不同的穿衣要求和搭配技巧，并介绍几种表现大学生青春气息的常用形象搭配。此块内容讲解，可大大提高大学生的穿衣品味，表现其内在的美，引导学生不迷信潮流趋势，利用所学的知识，根据自身的条件，进行自我形象的塑造。在此环节运用理论与实际相结合的教学安排，现场抽取学生，纠正其穿衣搭配误区，并引导学生开展讨论，调整搭配效果。此种教学方法激发了大学生学习服装艺术的兴趣，学以致用的学习热情高涨。

7服饰礼仪认识