美术基础论文大全11篇

篇（1）

在制造业迅速发展的当今时代，国内的设计教育呈飞速发展趋势，社会经济需要设计教育的大步跟上，创造本土品牌需要设计教育合理结合传统设计教育与现代观感的设计教育。我们在赞叹速度带来的各种丰富便利时，也应该感受到面临的某些问题与困难，中国的设计教育至今还是处在发展探索阶段，尚未真正定型与成熟。在现在各种文化互相交融、影响的全球环境中，作为发展中的中国，怎样在吸收国外先进设计艺术教育的同时，发扬本土设计艺术，在日渐成熟的现代设计领域里占有自己的一席之地，这是培养未来优秀设计师所应思考的问题。中国历史悠久，人文内涵丰富，东方文化所特有的思维方式有其自己独特的民族审美情趣，抛弃原有的艺术文化，那显然是不明智的，我们应在学习西方设计知识的同时，融会贯通，发展国内设计艺术，在现代感中体现中国的文化韵味和民族根基。近些年来，传统的装饰艺术文化有被忽视的趋势，从以往的“工艺美术”教育到现在的包豪斯教育体系，传统的装饰基础教学课时大幅度压缩，学院和学生为了尽快进行专业实践，专业设计课有提早进入低年级阶段班级的现象，这个调整有合理的一面，但也出现了一些问题，从传统装饰基础课程来说，相应地裁剪这些课程的教学时间，一方面会使设计思维的形成少了引导性的训练，在一定程度上削弱了设计的创作源泉。WWW.133229.COM另一方面，学生接触到工业设计所带来的抽象思维设计，也可以通过传统装饰艺术课程，得到更好的多元化创作，结合本土文化进行适合现代视觉观念的优秀设计。

一、传统装饰基础课是创作的根源，是具象到半抽象到设计的过渡

传统装饰基础是对具体的物象中体悟，是对原有物象进行再创造，是连接具象与抽象设计的纽带，它既具有现实自然形态丰富的一面，又具有创作中形成的或繁琐或简洁的风格，把作者的观念暗寓其中，有其丰富的艺术魅力。在装饰基础的训练中，通过对植物、动物、人物、风景等抽象的变形，相应地拓宽设计思路，掌握具象事物的最重要特征，掌握具象与抽象之间的思维链接，运用现代的设计形式，进行图像化的形式设计，使设计更加贴近生活，具有人性化的一面。装饰基础课需要运用提炼、概括等手段，把生活中的形象进行艺术加工，从而创造艺术形象。如果缺少了从自然形态到创作这一环，相应地就减弱了对事物的深入观察。毕加索对“牛”的一系列形象探索，也是在对具象事物的观察和形式构造的探索中创作，“牛”的系列形象展示了从具象、半抽象到抽象的多种变体。康德在他的著作《判断力批判》中的一段话也值得我们认真思考：“自然只有在貌似艺术的时候才显得美，艺术也只有使人知其为艺术而又貌似自然才显得美。”可见，对自然形象的探索一直以来是形式美感的需要。

有的人认为传统无法跟上现代设计的思维，其实现代艺术设计的理念在传统装饰艺术中也一样存在，清代的笪重光说：“空本难图，实景清而空景现。神无可绘，真境逼而神境生。位置相戾，有画处多属赘疣。虚实相生，无画处皆成妙境。”这其实就是构成艺术美。“一以当十”、“似与不似之间”，这些传统装饰基础中常用的手法一样用于现在的构成设计中。装饰基础课程的训练内容来源于生活，对设计起着相当重要的作用，快节奏生活的到来，西方简洁主义的艺术冲击，工业化产品的繁荣在一定程度上刺激着设计，设计是为市场和社会服务，和经济、生活紧密相连，脱离生活只讲究形式的设计难免让人感觉华丽的虚构，一个脱离了本土文化的设计无特色可言，一个没有自己特色的设计也无优势可言，装饰基础课程的削减，在一定程度上削弱了传统装饰艺术的熏陶，在设计教育中，我们现在不是寻求统一的模式，统一的模式只会使设计的路子走得越来越窄，豪无创新的可能，只有发展自己的特色，掌握基础设计步骤，结合现代设计的理念，在加强交流中取长补短，在熟悉本国的传统艺术设计中比较外来先进文化，才能拓宽思路，一方面继续提升本国的传统设计，一方面在激烈竞争中为本国带来丰厚的经济收入。香港著名平面设计师靳埭强创作了大量文化招贴。他在《2007全国设计伦理教育论坛》上的发言中认为，美的原则有三条：立意——意念先行，以形取神；创新——承先启后，破旧立新；活用——适身合用，灵活生动。只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。

二、装饰基础的多元造型手法对创意产业的影响

创意产业是一个经济名词，早在1986年，著名经济学家罗默（p.romer）就曾撰文指出，新创意会衍生出无穷的新产品、新市场和财富创造的新机会，所以新创意才是推动一国经济成长的原动力。装饰基础课作为创作的基础训练，所涉及的内容包括对各种材质的表现，对各种传统装饰艺术的多元化造型手法进行研究，在图形设计、色彩感觉、构图设想、材质应用等方面都有一定的探索的可能，这有利于发散性思维的培养，而创意需要有这种发散性思维，这能启发在思考中释放自己的个性才能，从各个方面进行探索，在探索中找到更切实的表现方式，更好地在现代设计中把握创新。

从图形设计上来说，装饰基础研究的是从现实物象中提炼、概括，是对物象经过细致的观察了解，在观察中寻找切入点，从这些不同的切入点可以得出不同的思维结果，再通过多元化的造型手法，作多方位的图形设计变形，这就要求对观察对象无论从内部还是外部，都进行剖析深入，再进行延展，激发联想，而创意行为就是在这种过程中产生。创意行为需要突破普通的习惯性思维，必须有深入的观察，作多方位的思维，才能有合理的异于常人的创意。创意并非是无物可据，无形自来，创意行为的思维训练中，观察是创造性技法之一，没有形象性就没有审美，也就没有艺术可言，创意的行为起始于设计的初步，装饰基础设计的这种仔细观察多方位思考的发散性思维有助于创意的迸发。

从色彩感觉来说，装饰基础包括研究各种色彩对人类情感的作用，而各种场所、日用品、大到城市建筑色彩的整体规划，都同色彩研究有着不可分割的联系，人类对色彩的喜恶，有着不容忽视的作用，作为创意行为，如果不能很好地把握色彩感觉，那就忽略了人类的感情。装饰基础研究的是人类在生活中积累的各种图形财富，各个时期都有不同的代表性色彩，这对掌握不同人群的色彩感情有着很好的探索。

构图设想是一切造型艺术的重要一环，装饰基础设计所涉及的图形中，无论对单独的图形还是绘于各种材质上组合的图形等，都对构图作了细致的考虑。在现阶段的装饰基础课程中，并非是要抱着原有的传统内容不放，而是力求在符合现代设计思维的创作中设想，所思考的内容可以带有一定的目的性，把传统的精华融合于现代设计中，这本身就是一种文化创意产业。创意产业是一种新的发展模式，它强调用全新的思维逻辑方式融入现有产业实现价值创新，分析具象造型艺术构图设想的三个必要环节——观察、研究自然；抽象、概括自然；引申、表现自然。这三个环节都是在发展的模式下进行，根据现有的内容通过构图设想进行新的思维来实现创新。

艺术的实用性是传统装饰艺术固有的内容，各种图形在材质应用上达到新的视觉感受。装饰基础设计来源于现实中的物象，通过一定的装饰手法对现有的物象进行设计变形，再通过各种材质表现，使图形在材质上达到观赏效果。在设计过程中，带有一定的目的性，并对图形作适合于某种材质的考虑。装饰基础设计在材质应用的练习上对装饰艺术的发展有着一定的作用，也唯有在实用的基础上才能有所突破。在当今创意时代，具有特色化、个性化、艺术化的产品，有着广阔的市场，材质上的应用教学，无疑使装饰基础设计能够尝试更好地与现代产业接轨。通过装饰基础的模拟教学，把设计与技术、文化、产品和市场融为一体，这样既有利于传统艺术产业的延伸，又可以为现有的产业拓展发展空间，使创意产业成为可能。

设计归根结底是为经济服务，经济的迅速发展和企业之间的竞争迫使设计教育切实了解市场所需，只有跟市场结合，具有特色的个性化产品，才有可能闯出自己的市场，才有可能在国际贸易中找到我们的定位，传统的装饰艺术才会有更广阔的发展，使装饰艺术真正成为一种创意产业。

系统的设计思维方法的训练，关注美感设计，包括对生活形态的理解、设计管理、战略和产品计划方面的研究。装饰基础设计是从生活形态中，通过观察事物内部外部结构，进行多种思维变化创作，它是界于抽象与具象之间的思维训练方式，是对同一物体进行多种变化可能的探索，是对物象进行重新构想，或简洁或繁复，它的设计创新的系统方法，也能够和现代设计中思维的形式训练结合。

当然传统装饰基础课从现代设计观中来看，思路上也有陈旧的一面，以往有重技法轻创新、重平面效果轻材质塑造等的现象，我们只有在现代设计教育的大环境中完善装饰基础，才能让传统装饰艺术更上一个台面。

参考文献：

[1]李砚祖：“建构新的设计教育体系，发展中国的艺术设计教育”，《2001’清华国际工业设计论坛暨全国工业设计教学讨论会论文集》,北京，2001。

[2]蔡军:“设计·策略·教育——中国工业设计的思考”，《美术观察》，1998.8。

篇（2）

以美术学专业为例，美术学有国画，油画，壁画，雕塑等学科，国画与书法密不可分，油画更强调材料的探索运用，雕塑的材料内容更多，壁画也需要一定的国画基础。但是很多学校用了过多时间让所有学生画素描，练写生，练基础。最后出现了一个非常奇特的现象，很多人画得一手优秀的素描，真实程度甚至不输相机，却画不出自己的作品。过长时间的基础训练，让学生越来越接近一台重复劳动的机器，失去了思考和感受的能力。很多四年级的学生在面对毕业创作时不知所措，脑子里空白一片，对作品的构思，设想，用何种材料能达到何种效果，哪个阶段会遇到哪些问题一无所知。很多本来很喜欢绘画的学生，在基础训练阶段取得了骄人的成绩，可是奇怪的是毕业之后便不再有作品，一部分人继续从事美术教育，还有很多人放弃了自己的专业。少部分人能继续从事艺术创作，甚至有很成功的艺术家坦言，自己进行创作时，在形成自己的艺术语言的过程中“第一个想忘掉的就是学校教给我的那些东西”甚至是“学院是我最大的敌人”。我们应该好好去思考，我们是否忘记了训练的目的而把训练当成了目的。

（二）重手头操作轻理论

很多高校美术专业的课程设置都是两大块，公共课，专业课。专业课则以写生训练为主，石膏，风景，人体，着衣绘画练习过多。与此相比，只有少部分的美术史论课程，时间占所有专业课程的十分之一甚至更少，内容则是文字为主，考试时要求以语言文字列举某时代代表画家代表作及主要风格特点为主要方式。学生学习时间少，内容多，来不及深入学习，很多所谓油画专业的学生甚至都没见过自己试卷上写出的某张画。没有真实的视觉感受，谈不上懂美术史，别说创新，连继承都是凭想象，这样的心理准备去创作，高质量的作品稀少是可想而知的。

（三）重学院轻民间

自有学院教育以来，学院与民间艺术的分野就显现出来，古今中外都有这种情况。学院派看不起民间艺术，认为后者没有技术含量，没有学术传承，比不上学院艺术的正统地位，难登大雅之堂。而民间艺术往往源于自然，感受天真活波，想象力新奇大胆天马行空，不囿于传统审美，正统观察方式。许多优秀艺术家出身于民间艺人，之后能学习学院艺术中对自己有用的内容，成为集大成者也不在少数。学院艺术与民间艺术有合作，在国外的高等院校屡见不鲜，比如德国的艺术设计院校的鼻祖包豪斯。但在国内，学院艺术与民间艺术仍存在很强的壁垒。

（四）重基础轻材料

这一点从教师构成上可以看出来，我们的写实基础教师很多，多年的大规模写实教育，为我们培养了很多擅长素描色彩的专业教师，因为每个人教的内容都差不多，学生会很适应，学习起来目标比较明确。但是擅长材料的教师少之又少，因为掌握某种材料的性质，效果，是需要花费大量时间和金钱的事情，只有具有相当专业水平的人才有这种能力，而这样的人差不多都已经是小有成就的艺术家，人数少，不能满足学校教育的需要。这方面的改善是需要学校，教师，学生，共同去努力的。

二、改善美术基础教学现状的应对措施

虽然现实情况存在这么多的问题，但是只要我们转变思想，情况是会逐渐改善的。

（一）思想上不要避重就轻

艺术教育界有句著名的笑谈叫做“技术能教，艺术不能教”。这话有对的地方也有不对的地方，就目前的情况来看应该说成“技术好教，艺术不好教”。我们的技术教育，已经具有相当规模和水平，而且有了很丰富的相关经验，这已经是有目共睹的。对有志于学习写实绘画的学生来说，这是个幸运的时代。但是我们的审美教育，任重而道远。审美教育之难，在于内容多而庞杂。百花齐放，如何读懂每朵花的美，需要深厚的文化修养，美学修养，甚至心理学修养，因为所谓美，不一定是甜的，甚至是苦的，辣的。手上功夫了得，心里却空白一片，这很可拍。我们要追回的是天真并不是痴呆，只有敢对症结所在下手，我们才能从根本上扭转这种艺术教育上重手轻心，本末倒置的局面。

（二）在实施时需要多方面的努力和配合

学校在课程设置上，应该偏重美术史的学习，加长学习时间，丰富学习资料，改变考核方式。我们的网络资讯已经如此的发达，美术史教材却还是多年前的那几本，干干巴巴，少的可怜的几张彩图，是时候投入人力物力去编写更好的史类教材，这比浪费大量的时间颜料闭门造车收效大得多好得多。美术馆的作用也是必不可少的，很多外国小朋友在小学就可以到自己国家的国宝面前去临摹。我们也不必总是关在教室里闭门造车，应该让学生去学习，去实习，去为游客讲解介绍，让美术馆时间成为课程的一部分，让心灵真正与杰作对话。专业教师也应注重自己的知识更新，成为教学材料的收集者，组织者，成为学生修心的引导者，让学生能更好的吸收这些知识。在教学中转变思想，善于发现学生写实能力以外的创作能力，鼓励学生发展属于自己的艺术语言，在作品评价上更多元，就能避免千人一面的可怕下场，我们要培养的是创造力，不是照相机。我们不必先把自己训练成照相机再去成为真正想成为的人。

篇（3）

鉴于实际状况，有必要分析风景创作在当今的艺术中还占有什么样的地位。在欧洲，风景画的出现是在人文精神的影响下，绘画逐渐从宗教、宫廷的实用性中分化产生的。它伴随着当时欧洲社会一个新的社会阶层出现，反映的是新兴市民、资产阶级的审美趣味和要求。到了19世纪后期，随着社会的发展，新兴的中、小资产阶级要求拥有能摆脱传统的贵族、大资产阶级影响而能反映他们自己审美需求的艺术形式，在这样的历史背景下，印象派应运而生。可以设想，如果没有这样的一种社会需求，印象派可能就会一直被冷嘲热讽下去，直至最终销声匿迹。在我国，传统意义上的风景画虽然还有一定的发展空间，但已和传统的玉雕、刺绣等艺术品种一样渐趋边缘化。由此看来，把美术基础课教学定位于“风景画”创作，这一目标在现代社会没有针对性，脱离学生未来的实际需求。

二、学生的状况与培养

一些地方院校生源的专业基础相对于国家级的美院、省级的艺术院系而言是薄弱的。一般而言，学生有以下几个特点：第一，有满足感。大部分本来无望升学的学生，经过几个月的美术突击进入高校，自己和家长都很满意。第二，有进取心。学生在新的环境重新反思自己，会有一种重新再来一次的心理期待。第三，对自己的实际状况、能力不能清醒地认识。因此，我们的教学设定就要既体现教育主体的目的、要求，又要考虑到学生的实际情况，为他们设定一个可行、有效的标准。

所以，我们的教学就应该针对学生需要去解决问题，搞清地方院校的美术学教学怎样才能为学生未来的发展打造一个可凭借的基础。这涉及到美术学科的内部问题，主要是两点：当代艺术发展的状况和宏观的美术教育问题。

把造型说成就是画画，未免是狭隘的。先假定有“写实”这样的一种造型形式，那么在基础训练阶段可以把“写实”作为一种“范式”，但教育的目的并不在于“写实”本身。“写实”的目的在于训练造型能力，造型能力的发展较“写实”本身更为有意义。在平面中，存在一个具体的形状与色块所构成的抽象形式，这个抽象的形式是直接作用于人的视觉心理的基本因素。通常意义上的“具象”或“抽象”是指，是否以某种具体造型样式“模拟了自然”的意思。“模拟了自然”本身并不构成艺术定的语境，而只构成涂绘痕迹对人的心理生效过程的一个次级因素。而上述“具体的形状与色块所构成的抽象形式”则通过视觉心理、社会心理使涂绘痕迹对人产生有效性。所以，我们的教学目的就应该是指导学生对这个抽象形式中的形状与色彩及三者的关系进行研究。这个“抽象形式”的发展与人的视觉心理、生理基础密切相关并存在着一种对应关系。生物学意义上的人类自身的发展和这样一种形式的发展是同步的，所以，对基础造型的学习，既是对人类视觉传统文化的学习，也是对自身符合历史发展趋向的改造过程。这是造型基础训练的一个更为积极的目标。因此，虽然地方院校的生源基础要弱一些，但如果在教学安排中能充分关注学生特点，使其得到不同程度的发展，就是成功的教学。

篇（4）

“在今天的教学中，美术已经不再是一门独立的学科，它与其他学科有着千丝万缕的联系，而传统的教学方式已经不能真正体现美术的含义，无法发挥应有的教学效果”。大部分教师认为，美术只是教会学生画画即可，在课堂上拿出一幅画让学生照着画就行，用传统的教学方式进行传授，这种教学方式只能让学生学会了绘画，而无法真正体会到美术这门课的博大精深，更不能激发他们学习美术的兴趣。美术课程标准指出“美术不仅仅是一种单纯的技能技巧的训练，而应视为一种文化学习”，这就要求我们教师在教学中不仅仅要引导学生进行美术文化学习，更不能放弃知识技能的教学。只有在美术教学中培养学生美术兴趣、提高学生审美能力的同时结合知识技能的学习，才会提高学生的美术素养，从而提高学生的综合素质。

2.教学设备不健全，学生学习美术的积极性低。

由于学校对美术教学的不重视，在软硬件的配置上也会存在着差异。有的学校虽然能够按照国家课时计划标准开设美术课，可是受到中高考指挥棒的影响，很多学校少开或者某些年级不开美术课的情况也屡屡发生。有的学校就算开设了美术课，也形同虚设，经常被其他主课老师无情占用。同时，学校的教学设施，对能不能有效的推进美术教学也很重要，因为现实中教学环境及设施的差异的确存在着。再者由于大部分学生为了在学业上取得好成绩，往往牺牲娱乐时间去学习功课，这样一来就更没有兴趣去学习美术甚者其他主修课以外的课程了。很多学生在上美术课时候选择做其他课程的习题，他们认为有学习美术课的时间，不如去完成其他科作业，提高其他科的成绩，因此学生学习美术的积极性大幅下降，对美术学科的优势不予理睬，长此以往学生的审美修养和情操陶冶又如何提高？

二、美术教学中存在问题的相关对策

1.充分调动学生学习美术的积极性，培养学习美术的兴趣。

兴趣是最好的老师，当学生对一件事情产生浓厚的兴趣时，学习效率也就会跟着提高。我们要培养学生学习美术的兴趣就得了解学生，因材施教，允许学生个性的自由发展，允许学生兴趣的不同方向，承认学生存在的个体差异，承认学生对知识掌握的速度有快有慢，接受知识的能力有强有弱，给学生以充分的尊重，从而培养其学习兴趣。另一方面，也可从课堂活跃度来提高学生的积极性，让学生在课堂娱乐中对美术这门学科产生浓厚的兴趣，从此更加热爱美术。如：当我们在课堂上要求学生临摹一幅书中的国画作品时，有的同学要求画竹子，有的要求画荷花，这时教师应毫不犹豫很爽快地就答应他们的要求，因为如果这时候很强硬的拒绝他们，硬要他们统一作业，虽然他们会按照教师的要求完成作业，但他们可能就因此丧失了学习的积极性，丧失了一些对美术的兴趣，自然也不会体验到美术学习过程中的愉悦。在教学中能够充分尊重学生意愿，在许可的范围内向学生“妥协”一下，不失为一种明智的选择。

2.加强学生、家长和学校的沟通。

英国心理学家斯宾塞曾经说过：“没有油画，雕塑、音乐、诗歌以及各种自然美所引起的情感，人生的乐趣便失去了一半，这就会给各种疾病的入侵洞开门户”。美术教育的重要性不言而喻，但是由于受到应试教育的影响，很多家长认为美术对孩子的未来是没有用的，并不能帮助学生上一所好的大学，找一份好的工作，他们会为学生设计好一条最省事最高效的学习计划，会把什么有必要认真学，什么不必花时间去学分的清清楚楚。家长的言行早早就植根于孩子的脑海里，使他们受到影响，从而不重视美术课程的学习。这就需要学校和教师不断努力和家长沟通，让他们认识到美术教育的真正作用，改变对美术教育的看法。社会在发展，时代在进步，我们需要的是各方面都有能力的专业人才，而这不仅仅是体现在分数上。因此关注学生基础教育的同时，也要注重素质教育，培养综合能力。除此之外，还应鼓励学生寻找自己的兴趣爱好，给予他们信心，营造好学习的大环境。

3.提高教师专业素养和教学技能。

教师在学生美育的培养中也占很大一部分因素。教师应全面把握教材，灵活运用。在教学中应突出美术学科的特点，而不能把它上成了语文课、历史课；要把握好教材并灵活运用，不一味的照搬教材，可以根据学生的兴趣来设计自己的课堂，这样将会大大提高学生学习的兴趣，也更容易让他们吸收理解，从而在潜移默化中提高学生的鉴赏能力和艺术修养。

篇（5）

中国山水画是一个古老画种，它是我国传统文化的重要组成部分之一。在漫长的历史发展过程中，尽管历来绘画美学思想也曾有过各持己见的观点,譬如有的在艺术实践上过分偏重于师承古人笔墨，强调继承性而忽视结合生活实践的创造性；有的过分强调抒情、写意“神采为上”，而忽视性质、理法；有的过分强调毫发毕肖“谨毛失貌”。但是，优秀的传统始终起着引导的作用。一个山水画家必须懂得两个法则：其一是古人之理法；其二是自然之理法。只有把客观自然景物和主观情感熔铸于艺术形象之中，将状物与抒情、摹景与运情相统一，才能达到“物我交融”“天人合一”的境界。黄宾虹先生是近代山水画史上一个集大成者，他贯通古今未来的秘诀为“于传统溯求本源，与未来以求开放”，就是说要继承传统文化精华，大胆变革，要有“创新思维”，要注入“时代精神”。要学习传统文化中最本真的东西，就是继承有生命力的部分，剔除其过时的陈旧的糟粕部分，代之以新的内容，这就是发展。在教学中，如何使学生继承、发扬优秀民族文化传统，又具有创新精神，为以后创作打下坚实的基础，临摹和写生辩证统一的训练与运用是一个非常重要的环节。

由于学生对传统绘画接触甚少，所以在山水画教学中，如何使学生提高自身审美能力是十分重要的。WWw.133229.cOm学生必须“观赏”历代名画，教师要通过对历代作品的研究分析和现代信息技术教学，使学生了解山水画的历史概况、艺术特点和艺术成就。正确引导学生读画、临画、摹画，先会“古人之心”，与古人对话、交心，从而揣摩优秀作品的意境、气韵与笔法、墨法。在读画、临画、摹画的同时，还要注意深入生活，观察自然，这是山水画教学的根本。

我们借鉴运用传统技法，目的还是在于表现自己对现实的感受，反映“时代精神”，创作出有自我个性的作品来，因为技法的产生毕竟是认识对象和表现对象的结果。如何了解和学习古人作品中的传统技法，是十分重要的。学习山水画，随着研究的不断深入，要深入观察生活，观察自然，这样必然和当今时代绘画美学思想、理论探讨等问题联系起来，从而创造出有时代精神的优秀作品。历代有许多画家在不断研究传统文化的同时，不断深入生活，观察自然。宋代郭熙力主“饱游饫览”；元代赵孟力主“久知图画非儿戏，满眼云山是吾师”；明代董其昌力主“行万里路，读万卷书，方可作画”；清代石涛力主“搜尽奇峰打草稿”。又如近代画家齐白石画螃蟹，案头养螃蟹为师，日夜观察，方能画出栩栩如生、姿态多变的螃蟹。他们在深入了解自然、了解生活的基础之上，把握自然万物之灵魂，从而创作出许多造诣颇高的作品。所以，一个成功的山水画家，脱离不了“传统文化”的支撑，脱离不了“自然造化”的支撑，脱离不了“创新思维”的支撑。在山水画教学中，我们必须把握好，处理好这个基本原则。

一、课堂临摹是掌握古人理法的重要途径

在山水画学习中，临摹可以使学生对历代优秀作品留下极深的印象，可以培养学生的审美眼光。在具体的学习中，对那些优秀作品的意境营造、构图经营，以及皴、擦、点、染等技法的掌握，必须通过有计划地临摹研究，才能懂得何谓传统，传统涵盖了哪些因素，才能科学地把握传统，才能将自然观察所得的深刻领悟重现于笔下。

临摹分对临、摹临、背临三种。在山水画基础训练中，更注重于对临、背临，使学生对范画作最大限度的再现。

在对临教学中，“形似”易而“神似”难，所以教师必须启发学生“先会古人之心”，教育学生“师古人之迹不如师古人之心”，要首先体会大师作画时的背景和心境；其次用心揣摩其笔墨关系和用笔的力度、节奏。有时为了更清楚地了解古人笔意，可以将范画某一个局部进行放大研究，去体会其用笔的抑扬、顿挫、徐疾、轻重、虚实和墨的焦、浓、淡等感觉，从而临出范画的精神内涵。黄宾虹说：“名家临摹古人，得其笔墨大意，疏密参差，而位置不稳，位置妥帖，浓淡淆杂，而远近不分。树木有根株，或偶失其交互；泉流有曲折，或莫辨其去来。苟能瑕不掩瑜，论者犹宽小节。画贵神似，不在貌求。”明代董其昌说：“妙在能合，神在能离。”临摹贵在把握范画的精神内核，而不在一笔一势。先要合古人，后要离古人。在具体对临中，要求学生用笔有力度，笔在指间，指实掌虚，运用腕、肘、臂、肩，去体会平、圆、留、重、变的感觉，去体会笔笔见功夫、笔笔有通情、笔笔有醒透、笔笔有脱尘、笔笔有相生的主要感受，从而求得“形似”和“神似”的效果。

背临，是在对临的基础之上，离开范画从而进行临摹，通过对范画的深刻印象，而再现其风貌，使学生逐步稳定自己所学的各种技法，使学生的表现能力不断得到巩固和提高。

二、课外写生是掌握自然理法的重要环节

在山水画教学中，一要重临摹，二要重写生。

写生，是观察自然、观察生活的继续和深化。通过写生，使学生在观察自然、观察生活的基础之上，更加熟悉自然、热爱自然，了解自然界风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇、亭台楼阁、山川烟岚的规律。写生不同于临摹。临摹，对象是静止的范画，它不受时间和空间的限制，而写生要受到环境、气候、时间、空间等多种因素的影响，自然界山川、烟云，远近不同色，早晚不同景。郭熙在《林泉高致》中有这样的记述：“山，近看如此，远数里看又如此，远数十里看又如此，每看每异，所谓山形步步移也。”“山，正看如此，侧看又如此，背看又如此。每看每异，所谓山形面面看也。”所以深入生活要深刻领悟自然界变化无穷的魅力，要了解远山近山，正面山侧面山的多样变化。自然界的树木、烟岚在不同的季节，不同的时节也不同。郭熙说：“春山烟云连绵人欣欣，夏山嘉木繁荫人坦坦，秋山明净摇落人萧萧，冬山昏霾翳塞人寂寂。”“欲夺其造化，则莫神于好，莫精于勤，莫大于饱游饫看，历历罗列于胸中，而目不见绢素，手不知笔墨，磊磊落落，杳杳漠漠，莫非吾画。”这是说，春夏秋冬，东西南北，一山百态，一树百态，百山一理，百树一理，有势的把握，有质的探微，有景外之意，有意外之妙。组织学生深入生活，深入自然，将课堂教学和课外教学相结合，要讲究先易后难，由浅入深，先简后繁，由静到动，从而循序渐进。

1.树木写生

学生初到自然界写生，因不了解树木形象特征及其结构，可先用铅笔或钢笔对树的正面、侧面、背面等各个角度进行写生，使其了解树的生长规律，然后再用毛笔，先由树干下笔，注意用笔的笔势、力度，在画树干的同时添枝加叶。这样既能认识它的生长规律，又可兼顾造型练习。同时重视用色用墨的观察、体会和写生。在写生树木时，在深入观察对象的基础上，还要注意对复杂的自然现象要有所取舍。注意树在四季的各种状态、早晚的各种状态、南方树与北方树的不同状态、山林树与平原树的不同状态、背光树与受光树的不同状态……从而善于准确地捕捉自然中最美、最生动的素材入画。在写生中，还要注意到自然界包罗万象、复杂多变的特点。如树木枝叶美的穿插组合规律，不是自己能凭空想象的，而是要用对比、平衡、节奏、统筹这些形式美的法则去锻炼构图处理的。

2.云水写生

潘天寿说：“山无水不灵，山无石不奇，山无树不秀，山无水不活。”山水家要“青山洗面，白云为衣”，要了解大自然的烟云万状。在教学中，引导学生用毛笔或铅笔对自然界云、水进行写生表达，了解云、水在不同时节的变化特点。当直接用毛笔写生时，注意水墨浓、淡、虚、实的变化，体会春夏云水和秋冬云水的不同，体会大山云水和平原云水的不同。用真心、真情去体味中国画笔墨在表现自然云水时的无穷变化，力求学生胸有大千，囊括万象，这样才可创造出“画中有龙蛇”“腕低有鬼神”的作品，才可营造出富有时代人文精神的新境界来。

3.山石写生

山水画以树、石为骨肉，以云、水为灵魂。树木、云水、山石是一幅山水画的最基本要素。所以，画好山石也是写生练习中十分重要的内容之一。在写生中同样要求学生先运用铅笔或钢笔，具体而严谨地勾画出山石外形，山石本质结构，使学生对山石在各种状态下的丰富变化熟记于心，用心去体味自然山川的精神内核。然后用毛笔去寻找自己的感受，利用线条本身的粗细、长短、疏密、组合、交错等去表现山石、山川形态的微妙变化，把握自然山川在潮汐阴晴风霜雨露中的千变万化。用笔要有顿挫、刚柔、转折、虚实。一张画中只有线是统帅，是首要的，像建筑中的钢架，没有线，墨、色都是零散的、松垮的，要求学生力求中锋用笔，线要遒劲，要毛，要沉着，不能草率；用线要追求毛、涩、辣、变，沉着入纸。龚半千谈到用笔时曾说：“线忌草、忌梗，要遒劲。”草，就是软弱；梗，就是枯硬；遒劲，就是内在的，像崩着的弓，箭还没有放出去，有内在的力。古人在山水画中用笔力求“点如高山坠石，横如万里阵云，垂如万岁枯藤。”也就是这个道理。在写生中，在把握用笔用墨的同时，更要体味山川的精神，要用哲人的头脑、诗人的情怀，去体味大千自然，用真情去感悟自然山石、山川。古人云：“登山则情满于山，观海则意溢于海。”用心灵与自然沟通，用思想与自然对话，以求“物我共化”的心境，从而给山石铸入灵魂。

三、创新再生是艺术教学的精神内核

在山水画教学中，通过临摹、写生教学的有机结合，还要使学生充分发扬个性，与时代合拍，使学生在提高审美水平的同时，对优秀传统绘画有一个深刻的认识，使其具有扎实的传统笔墨功夫，集各家之长，结合自己对大自然的独特感悟，从而发挥想象力和创造力，真正把握“古人之理法”和“自然之理法”，把传统技法与自然感受加以“生化”，从而写出“胸中之山”。潘天寿说：“学画时，须懂得了古人理法，亦须懂得自然理法，作画时须舍得了古人理法，亦须舍得了自然理法，即能出人头地而为画中龙矣。”八大山人曰：“于无心处写鱼，于无鱼处求美。”就是说，绘画不可照搬，而要注入人文内涵与画家的思想情感。所以，山水画本真的东西最终还是要“于无心处写山，于无山处求美。”要信手拈来，妙然天成，纯任自然，才为画中龙矣。近年来，由于一些教师或打着课程改革的幌子，忽视传统研究，宣称“当随时代”；或观念陈旧，墨守成规，泥古不化，宣称“弘扬传统”，使得学生只见树木，不见森林。他们只注意把具象如实的稿子经过所谓的取舍加工再现于画面，或把拍摄到的自然山水不加修饰地照抄过来；或让学生无的放矢盲目寻找所谓的创新感觉，出来的作品表达什么，学生自己都说不清楚。这种简单、刻板、幼稚的创作和教学观念，对开发一个人表达自我感悟，对提高生活的认识、对提高艺术审美水平来说，都是一种无形的束缚。他们给学生想象力赋予的不是翅膀而是包袱。真正的继承不是打上强心针使其延续，真正的继承是“泥古而化之”，是“先合后离”，是“先过河，再拆桥”。创新不是“拔苗助长”，不是“信口开河”，而是像练武一样，先练熟了“十八般武艺”之后，新招术自然“水到渠成”。这才是真正的突破、再生、发展、创新。所以，继承和创新是不可分割的。身为美术创作前沿的教育者，必须追溯古人之法，体悟自然之法，探索创新之法。要引导学生用真情去感受传统文化，不懂传统文化的人，犹如没有吃母奶的婴儿，总是缺乏营养的滋补。所以，我们要以现代的审美意识和审美情趣去了解自然，了解生活，力求以自己的主观精神和创造意识赋予山水新的品格，营造新的意境，寻找新的语言，表现新的感觉。只有深入挖掘和培养个人生活感受，由具象的形“生化”为意象的境，注入时代精神和人文内涵，才会开辟出一个新境界。所以，山水画教学中不仅要训练学生勾、皴、擦、点、染的笔头功夫，更要通过欣赏、临摹、写生等灵活多变的方法，给学生以新方法、新思想、新理念、新感觉的传导和开发。

参考文献：

[1]《黄宾虹谈艺录》南羽河南美术出版社

[2]《画禅室随笔》明·董其昌上海远东出版社

[3]《石涛与画语录研究》 韩林德江苏美术出版社

[4]《黄宾虹论画录》赵志钧浙江美术学院

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2.美术高考内容单一专业美术基础教育主要包括中学专业美术考试教育阶段和高职院校美术教育一年级阶段，其中中学美术考试教育是基础教学的重点和难点。写实性绘画与中学美术考试基础教学内容有一定的联系，不应将整个教学内容局限于此而排斥其他内容。随着社会的进步，人们的文化观念不断转变，美术开始与其他学科融合，美术作品呈现出多媒材、多学科、多维度发展。但是目前美术高考内容仍然以写实性绘画为主。

二、解决高职院校美术教育基础教学问题的对策

1.调整高校美术专业入学考试方式固有的考试方式只重视学生的手绘能力，不利于培养学生美术的创造力和想象力，考试方式也仅限于默写和写生。因此针对参考的美术专业学生，国家推行了“大综合”模式，增加了对其他美术造型能力的考察，如三维空间塑造能力、美术鉴赏能力等。当然，考试形式上应更加多样化，如在传统的考试方式上增加电脑图形图像制作等。考试内容应实行模块化，将所有的内容划分为若干个模块，考生可以抽签选择其中几个进行考试，从而确保考试的公平性。

2.调整大一阶段基础教育的内容与形式在接受高职院校美术教育前，学生所受的是泛美术基础教育，而大学的基础教育更具有针对性。由于各个专业学科存在一定的差异，对学生的基础知识结构和表现力要求也不同。如大一阶段美术专业的学生以写生为主，这实质是对中学美术基础教育的一种巩固与增强。因此，美术教师应根据大一学生的实际能力，结合专业教学任务、内容，对该阶段美术基础教学的内容和形式进行调整，增加有本专业特色的基础内容，采取有专业特色的训练方法，培养学生正确的学习方法和获取知识的能力，促进学生美术专业技能的提高。

3.增强教师教学的自主性由于美术院系教师往往兼任多门课程，教学压力大，容易产生厌烦情绪，降低教学的自主性，对高职院校美术基础教学质量的提高十分不利。因此，学校应根据美术院系的发展规模，公开招聘专业技能高、教学经验丰富的美术教师，尽可能地减轻美术专业教师的工作压力，同时还应给予美术教师更多的关注，不定期地组织他们外出学习，积极进行教研活动，将教师评优评干、教研成果与年度绩效考核挂钩，充分调动教师工作的积极性和自主性，使其更好地为学生服务，为国家和社会培养更多的优质人才。

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二、美术基础教学的现状及改革措施

(一)素描教学

就建筑美术课程来看，最为基础的课程就是素描课，对学生观察和写生以及空间想象等能力的培养是其目的所在。就总课时来看，建筑学素描课要远远少于美术专业，学生美术基础几乎就是没有，而且具有薄弱的造型能力。在教学大纲中一般都是在大一设置建筑学专业素描课程，从建筑素描总体教学课时来看并不多，而且在安排教学上还存在分散状况，学生对素描技法和表现形式的掌握很难在短期内实现。因此在素描教学上，要求目的性与针对性较强就显得极为必要，这样有利于学生对素描的表现技法进一步的明确，掌握物体形体的结构规律，加深学生对形体的认识与理解。在实践中体会到:①在安排教学时，应结合学生的现有基础，遵循由浅入深和由易到难的循序渐进规律;②选择教学内容应开始于简单的训练静物形体结构写生，逐渐过渡到大量训练建筑空间风景写生;③结合临摹和写生应是教学方法采用的方式，从而能够与学生的基础和专业需要相适应，为教学效果获得良好奠定基础。结合自身的经验认为建筑学素描基础教学应以学科特点为出发点，把设计类的素描作为重点，设计类素描与结构素描相仿，对物体的结构形态进行研究是结构素描的主要内容，这有利于对学生设计思维进行拓展，推动其想象能力的活跃，有利于推动学生形象思维和创作意识的培养。结构素描有利于推动学生一般造型能力的培养，加强学生对形式美规律的认识训练，推动学生对物体形态和构造相关的比例尺度进行研究，强化物体的视觉效果，该设计素描较为理想。结构素描在建筑和城市规划以及室内外装饰等设计方面应用广泛。

(二)色彩教学

水彩画通过水对透明颜料进行调配，进而运用其绘成的绘画，绘画的艺术效果具有透明和流畅，以及轻快和滋润特征。在没有开展系统训练色彩前，学生练习的水彩渲染也极为简单。从教学实践得知，大多数同学在训练过程中对绘画技巧过度强调，致使对水彩的色彩变化等因素很难掌握。对水彩画技法过度追求往往使学生忽视基本色彩理论知识，致使在建筑表现与专业设计课上不利于掌握搭配颜色技巧，出现不协调的色彩冷暖关系等。而学生比较容易掌握水粉画作画工具，颜料具有较强的覆盖性，修改起来很容易等特点，表现力也较强，初学者掌握起来更容易些，所以一般情况下水粉画色彩训练常常被安排在第一学期色彩训练中。通过水粉画的练习对学生的色彩进行培养，学生首先在对解色彩意义进行充分的理解后，逐步开始学习水彩画。

(三)加强速写训练，快速提高学生造型能力

速写实质是学生学习绘画的最简化形式，是对物体造型综合表现的绘画方法，对于一个设计师而言，在对建筑进行观察和记录以及艺术构思表现方面，它属于主要方式，是对感性知识进行有效获得的艺术手段，也是原始资料积累的最佳途径。在素描教学的全过程中，应把结合素描与速写的学习始终贯穿于学生学习美术课程中。讲授理论，对线条进行学习应是速写教学的开端，由于课时不多，而速写的学习和练习需要的时间却很多，因此速写教学在大一、大二的安排上，要求学生必须在训练方面花费大量课余时间，教师在课堂中主要运用对学生作业进行查看的形式，把学生的优缺点找出来，尽力做到每次的练习都有新的进展，促进教学效果的提升。

(四)创新能力培养

传统观念认为，针对建筑学专业与城市规划专业进行的基础美术训练，也就是我们说的建筑美术课程，只要能让学生掌握下一阶段的专业课教学提供基础的绘画能力和欣赏能力，即具备基本的美术素养，就可以了。这恰恰是一种认识的误区，一直以来，我们没能注重学生创新思维培养和更具前瞻性国际视野、宏观的设计思维理念。此为建筑美术教学现存的突出问题。我们的建筑美术课程正是一门培养和激发学生创造性思维与创新意识，锻炼学生深刻的感知能力，提高其修养并且与建筑的专业课程(也包括城市规划的专业课程)紧密衔接的基础课程。在着重培养学生造型基础、色彩观察能力和技术性表达的同时，还应该对学生的个性化品质培养给予足够的重视。通常认为建筑美术，可以不考虑设计创意和设计观念的培养，认为那是以后建筑专业和规划专业教学方法中去面对和解决的事情，不在美术基础教学的讨论范围中。但实际上我们从历届学生的培养过程中可以得出一个结论，这种认识是错误的。必须在基础阶段就通过教学方法来解决学生的创意习惯养成和观念意识植入的问题。这一点特别重要。

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在五年制建筑专业美术课程中，我们把美术教学的重点放在了素描、色彩与速写的基础训练上，这里体现了对基础课素描、色彩与速写课程的重视程度。

在建筑专业素描教学与绘画实践中，要结合建筑学专业学生特点发挥其优势，建筑专业招生是文理兼招，学生入学文化课考试分数高，他们理性逻辑思维能力较强，具有一定的理解与分析问题的能力，富有研究与探索精神，但相对来说学生缺少形象思维能力。因此，教师根据建筑学专业学生的特点，以严谨较科学的设计素描为主全因素素描为辅。设计素描是以设计概念为先导的素描造型形式。它是以建筑设计为教学目的进行各种素描写生和素描创作的实践活动。即以形的本质为结构，排除物象的明暗色调关系，集中对物象形体结构进行研究，将对物象的观察、分析与综合贯穿干作画的始终，利用线的粗细、曲直、强弱、疏密的表现，运用穿插、重叠等手段来体现物体的形体结构。学生在作画时可以大胆地发挥分析和想象的空间，不受某些条条框框的束缚，使学生在大量的设计素描训练中发现其造型变化规律，并学到各种独特的表现技法，有助于学生对建筑设计的理性与空间认识和艺术表现手法。与此同时，为培养学生多种艺术表现形式与手法，还要学习以面为主用明暗调子来表现的全因素素描。WWW.133229.cOm

在色彩课程训练时，讲授色彩的基本知识与变化规律，加强学生的形象思维能力。建筑专业的学生应重视学习与借鉴各种绘画流派的色彩表现技巧与用笔技法。教师要柱重培养学生对优秀色彩作品的学习与解读，可将不同时代、不同时期作品进行比较分析，使学生真正领悟到绘画大师高超的色彩运用能力与表现技法和创作热情。可从早期的提香、伦勃朗、荷尔拜因，到晚期的安格尔、德拉柯涪瓦、米勒，还有近写作实派怀斯、弗洛依德等画家，从构图、色彩的冷暖、色彩的笔触逐一进行比较分析，引导学生去探求色彩发展演变的脉络，并使学生对凡·高的鲜明色彩、塞尚的结构意识、毕加索的立体主义、高更的原始色彩风格有较深刻的认识，学生会将这所有的好奇与感受转化为新的艺术尝试与探索。”[1]

二、加强速写训练，快速提高学生造型能力

在五年制建筑学专业的速写课程中，采用集中授课强化训练的方法，它的执导思想体现了美术基础课程从技能灌输转向开发学生专业能力的培养。在集中速写训练的授课中使学生强化学习，增强快速、准确地制作建筑设计方案的能力，达到事半功倍的学习效果。

对于建筑专业学生的速写练习，画面效果要体现高度的整体与概括精神，要自始至终以塑造形体为目的。例如画复杂多变的树冠，不应着眼于局部的、琐碎的形体，需要用整体的眼光来观察与表现，在整体上要把树冠看成一个完整的球体，而这一球体是由不同形状的局部块面来构成的；又如在建筑中进行室内设计时房屋空间结构较复杂，把它可高度概括为一个大的形体空间，在其内部陈设的家具是由不同大小形状的体块构成的。我们视不同形体的家具为点、线、面最基本的构成要素。而这一整体的认识观念是有赖于美术基础课的长期训练，培养学生在绘画中正确的观察与表现方法，有助于对建筑形体结构与空间的正确认识。

要使学生认识世界艺术大师的成功与他们坚持画速写是分不开的。世界著名画家的速写作品是一些风格化的线描，更加简练注重神韵，或凝重质朴、或空灵秀丽、或夸张变形具有装饰趣味。安格尔毕生注重并坚持速写训练，他的速写线条优美典雅，手法极度精炼，达到了出神入化的境界；法国的罗丹、马约尔、布莱尔堪称现代雕塑三巨匠。罗丹留下了五千多幅速写和素描作品，其线条洗练飞动、造型生动精彩，有音乐般的节奏，有诗一般的韵律；马约尔则用粗实的笔触找到山野、大地、海洋、空气般的造型力度；布莱尔则有浪漫主义气质，其速写具有强烈的动感。具有东方绘画风格的日本浮士绘与西方的凡·高和马蒂斯都有着强烈的装饰绘画风格，装饰画在用线上具有简洁质朴的特点，它们用线来界定画面的形象与结构，具有高度概括的抽象艺术表现力。著名大师的作品使学生收益很大。

三、在广告设计课程中，赣悟现代设计理念

学生对美术基础课程的选修课热情高，此课既开阔学生的视野又丰富了建筑专业学生的艺术表现语言。广告设计是一种信息传播活动，在学习中，能体会与建筑设计课程的相似之处与内在的关系；而在pop平面广告设计作业中，共五张作业：(1)pop字体练习；(2)pop服装、食品广告设计；(3)pop书画展、博览会广告设计；(4)pop立体广告设计；(5)pop房地产广告设计。在作业过程中，学生领悟到pop广告设计关键是简洁鲜明、造型优美、富有动人的感染力，在造型、构图、色彩安排、pop字体、艺术美术字体等多方面，得到充分的认识与实践，同时产生了一批优秀广告设计作品。老师还经常组织学生观看全国广告设计作品获奖展览等活动，使学生增强了广告设计课程的浓厚兴趣，同时对建筑设计课程起到了潜移默化的作用。

四、开设中外美术史，提高学生审美情趣

中外美术史课程使建筑专业学生得到了更广泛的美学和绘画知识，学生了解中外美术史对于建筑系的学生来说是十分重要的。美术史课程在建筑专业学生的大一开始学习，此时学生正在进行素描与色彩和速写的训练，而中外美术史与基础课同步教学，起到相互促进共同提高的作用，提高学生的审美情趣与艺术修养。在基础课素描与色彩创作时学生所表现的能力和个性追求清晰在目。美术史教学是科学严谨的但也有些枯燥和乏味。关键在于授课老师的引导，其课上生动活泼精彩有内容，学生就能喜欢而产生兴趣。例如在西方美术史的浩瀚海洋中，建筑有巨石建筑、罗马式建筑、哥特式建筑、巴洛克与洛克克的建筑风格，这些都会对学生有重要的指导意义。[2]

通过美术基础课教学的实践，笔者认为美术基础教学对建筑专业有着特殊意义，也是我们必须加以深入研究的。在建筑专业美术基础教学中还要积累经验，认真探索，形成更科学合理的建筑专业美术基础教学课程体系。

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现代美术教师的素养包括先进的教育观，广博的社会文化知识，开放的审美情怀，多元美术知识结构，明澈的美术发展视野等。如此，给21世纪的美术教育者提出了更高、更全面的要求，一个合格的美术教师除应具备高尚的思想道德修养、文化科学基础知识；除了具备完成美术教学的综合能力外，还应具备合理、全面的美术学科素质结构。

现代美术教育课程理念是多元的和具有通过性的，这里有两个核心的概念：一是“通道”，二是“经验”。所谓“通道”是指它对学生素质教育的贡献体现在它具有一种非达标性的目的设定，“过程及目的”。所谓“经验”是指它通过具体的审美实践活动，对学生施加影响，促进学生人生体验的丰富。美国教育家艾斯纳所倡导的discipline—based art education.简称DBAE（学科基础教育）。他尊重美术教育的学科独立性，强调美术教育学科的完整性和系统性。这些理念对世界美术教育的发展具有不可低估的推动和影响。美术批评、美术史、美学以及美术实践，在专业化的美术教师素养中都具有核心的价值。而具体到现代美术教师所应该具有的能力结构包括：⑴人文素养。⑵教育理论及实践能力。⑶美术文化拓展及研究能力。除此之外，现代美术教师还应不同程度的具备丰富的姊妹艺术知识、前瞻的文化发展观。

现代美术教育专业课程构成与设计

现代美术学院美术教育专业的课程设计应以现代中小学美术教师综合素养的建设为基础，以推动中小学美术文化的普及，推动中小学生人文素养与综合能力的完满为核心价值目标。

本科四年的美术教育专业，美术师范生所要学习的课程应包括基础文化知识类课程，普通教育基础理论类课程，美术教育理论与实践类课程，美术理论与专业实践类课程，艺术文化素质拓展类课程等五个部分。

1.基础文化类课程应涵盖基础人文学科和部分自然科学学科的文化常识。它是作为教师素养的基本保障和学习钻研更深层的艺术教育以及美术文化的基础。一般大学都会开设诸如大学语文、大学外语、哲学基础、现代计算机基础与应用等文化课程。这些课程一般不作为学生专业技能的主体学科而开设，应该在具体内容和程度上合理配置。

2.普通教育基础理论类课程是教育类专业的通修课程，包括教育学、教育政策与法规、教育心理学、教师口语、现代教育技术研究等课程。这些课程的开设是所有教育专业学生的基础理论与素养的保障，也是学生获取教师资格证的必修课。

3.美术教育理论与教学实践类课程是美术教育专业学生的第一大核心专业课程。它具体包括：美术教育史、美术教学方法论、美术教学实践（或美术教育见习与实习）、现代美术教育研究与论文写作等。往往在美术学院的教育专业中很多学生并没有把这些课程当作专业核心课程来看待，更多的是把它们笼统的归类为文化或理论课程，这是本质性的错误。造成这样的认识究其原因根本来自于学科教育中对这些课程的性质、作用以及价值的忽视。加上美术学院大的教学环境中对美术实践类课程的推崇与侧重，也是使其形成的重要因素。加强对这些课程的核心地位的引导也是专业课程建构中的重要环节。

4.美术理论与专业实践类课程是美术教师美术专业素养的基础。它的地位仅次于美术教育类课程，是美术教育专业课程构成中的第二大核心。对于它的构成应具有现展的课程观念，应具有包容意识和综合意识。其中美术文化理论课程应包括：美术史、美术概论、美学（或艺术哲学）、美术批评、现代美术研究、艺术比较学等。其次，美术专业实践类课程可以因不同的校本资源来合理配设。建议开设课程包括：造型基础（以现代开放的素描实验为基础）、色彩基础（色彩知识与主观色彩表现实践）、自由绘画（自觉的、自主的、非特定媒介的绘画实践）、现代媒体艺术、综合艺术实践（以社会生活与现实为背景，开展总体的、综合的、多元的视觉表述、艺术策划）等。另外，传统的书法、国画、油画、工艺设计、版画、雕塑（或陶艺）、水彩、水粉、摄影等可以以选修的形式开设，具体的内容则以鉴赏和基础技法训练为主，点到为止。

5.艺术文化素质拓展类课程是美术教育专业学生综合素质得以滋养与丰满的途径。各学校应结合自己的办学基础开设相关的拓展课程以供学生选学。在这个板块中综合类大学相较于美术学院更显得得天独厚。建议所开设课程应尽可能的宽泛和丰富。可开设的课程如：艺术人类学、艺术市场学、音乐鉴赏、现代艺术传播与媒体研究等等。

对综上这些课程的课时配比需依据美术教育专业人才培养的目标以及各学校资源的整合、综合利用的整体考量之后来设计。建议在第一部分基础文化类课程中做到文理兼容，理论性与应用性相结合。在第二部分普通教育基础理论类课程中，尽可能做到对先进的教育理念与经典的教育理论综合阐释，兼容并蓄使其具有包容性。在第三部分美术教育理论与教学实践类课程中，应尽可能多的展示国内外最优秀的美术教育理论与教学方法。做到理论与实践相结合，学习、研究与调研、总结相结合。在第四部分美术理论与专业实践类课程的设置中，应以前瞻的眼光来看待发展中的美术文化，以作为素质教育要求下的中小学生的美术需求为出发点，以美术教师综合的现代美术能力的培养为目标来设计。在第五部分艺术文化素质拓展类课程的设计中，应充分的考虑到现代美术教师应具有的艺术文化素养的广博性和可延展性。

具体到每个课程板块的比重，因第一、第二部分为国家调控课程，已基本固定。第三、四、五部分的课程内容应至少是等分的比例。其中第三部分美术教育理论与教学实践课程的比例应保持2：3左右。第四部分则较为复杂，建议美术理论课程与美术实践课程的比例为2：1；美术理论课中传统美术文化与现代美术文化的比例应保持2：3左右；创造性、实验性美术实践课程与传统技法实践课程内容的比例至少保持1：1的比例，甚至2：1。在美术实践课程中民间 美术的研究与实践内容应占到其总内容的1/4左右。现代美术信息的收集与整理，创造与管理也应该在所有课程中有所涉及。第五部分艺术文化素质拓展类课程应兼顾到传统与当代、理论与生活实践相互补的原则。

如此设计与配比是基于对现代美术师范生的自身素质的需求而考虑。总体设计理念是立足当代美术文化的多元性与包容性，以美术的发展为前瞻，以美术文化的传统为滋养。也只有具备了当代意识的美术教师，才能在美术传播中紧密的联系生活，发觉现实世界的审美本质。

现代高等美术学院美术教育专业课程实践研究

明确了美术教育专业课程组织的方法与原理，还应该对不同的美术课程实践有一定的理解和认知。课程的实施包括课程定位、课程研究、课程实践、课程总结与评价四个部分。

1.课程定位是课程实践的基础。每一门课程都具有自己独特的价值，具有不可替代的设计目的。特定的课程针对受教者产生不可估量的积极作用，同时也促使受教者在某一方面得到完善与发展。每一门课程与其他课程都具有关联性，相互联系、相互补充、互为基础。认识每一门课程的目的、意义与价值是进行课程实践的开始。

在美术教育理论与教学实践课程中所罗列的美术教育史、美术教学方法论、美术教学实践（或美术教育见习与实习）、现代美术教育研究与论文写作课程就具有关联性。其中美术教学方法论是美术教学实践的前提和指导。美术教学实践是美术教学方法论的具体应用与检验。美术教育史是理论与实践知识的补充，现代美术教育研究与论文写作则是所有这些课程的总结与深化。这几门课程的安排也应由浅入深，由理论到实践，再由实践到理论总结。

2.课程研究是针对不同课程的具体内容、秩序、组织、知识点、难点、重点的深入研究和思考。对课程的深入研究是课程实施的关键和保障。

比如在美术理论课程中，美术史的内容就应该有所侧重。因为课程时间的限定，合理分配教学内容就成为一个新的课题。对于非艺术史论专业32课时的西方美术简史授课内容里，西方传统美术文化与现代美术文化的内容合理的比例应该是40%比60%。而在中国美术简史的教学中，32课时的教学时间里对中国传统美术文化与现当代美术文化的比例则应该是70%比30%左右才更合理。

在美术实践课程里，自由绘画的提出和设立则意在模糊传统的国画、油画、版画等狭隘的画种界限。鼓励学生自主的选择工具媒介，自觉的寻找适合自己的艺术造型语言。从而自由的吸纳更多元的美术技巧，创造更为原创的、丰富的视觉信息。

3.课程实践是对课程的具体实施和体验。不同的美术课程实施的方法存在极大的差异，没有绝对的正确与标准。教师在课程实践的过程中应保持主导的地位，参与与旁观相结合。

理论性课程建议以学生课外的资料收集、整理，加课堂讨论为主。教与学双方提出问题以学生自主研究并解决问题为目的。美术史类的课程则建议以比较美术的方法来展开。

实践类的课程也由学生自己提出方案，学生个体独立实践与集体小组实践相结合。教师适时地旁观与指导整个过程，但不能生硬地左右学生的实践成果。

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1.基础文化类课程应涵盖基础人文学科和部分自然科学学科的文化常识。它是作为教师素养的基本保障和学习钻研更深层的艺术教育以及美术文化的基础。一般大学都会开设诸如大学语文、大学外语、哲学基础、现代计算机基础与应用等文化课程。这些课程一般不作为学生专业技能的主体学科而开设，应该在具体内容和程度上合理配置。

2.普通教育基础理论类课程是教育类专业的通修课程，包括教育学、教育政策与法规、教育心理学、教师口语、现代教育技术研究等课程。这些课程的开设是所有教育专业学生的基础理论与素养的保障，也是学生获取教师资格证的必修课。

3.美术教育理论与教学实践类课程是美术教育专业学生的第一大核心专业课程。它具体包括：美术教育史、美术教学方法论、美术教学实践（或美术教育见习与实习）、现代美术教育研究与论文写作等。往往在美术学院的教育专业中很多学生并没有把这些课程当作专业核心课程来看待，更多的是把它们笼统的归类为文化或理论课程，这是本质性的错误。造成这样的认识究其原因根本来自于学科教育中对这些课程的性质、作用以及价值的忽视。加上美术学院大的教学环境中对美术实践类课程的推崇与侧重，也是使其形成的重要因素。加强对这些课程的核心地位的引导也是专业课程建构中的重要环节。

4.美术理论与专业实践类课程是美术教师美术专业素养的基础。它的地位仅次于美术教育类课程，是美术教育专业课程构成中的第二大核心。对于它的构成应具有现展的课程观念，应具有包容意识和综合意识。其中美术文化理论课程应包括：美术史、美术概论、美学（或艺术哲学）、美术批评、现代美术研究、艺术比较学等。其次，美术专业实践类课程可以因不同的校本资源来合理配设。建议开设课程包括：造型基础（以现代开放的素描实验为基础）、色彩基础（色彩知识与主观色彩表现实践）、自由绘画（自觉的、自主的、非特定媒介的绘画实践）、现代媒体艺术、综合艺术实践（以社会生活与现实为背景，开展总体的、综合的、多元的视觉表述、艺术策划）等。另外，传统的书法、国画、油画、工艺设计、版画、雕塑（或陶艺）、水彩、水粉、摄影等可以以选修的形式开设，具体的内容则以鉴赏和基础技法训练为主，点到为止。

5.艺术文化素质拓展类课程是美术教育专业学生综合素质得以滋养与丰满的途径。各学校应结合自己的办学基础开设相关的拓展课程以供学生选学。在这个板块中综合类大学相较于美术学院更显得得天独厚。建议所开设课程应尽可能的宽泛和丰富。可开设的课程如：艺术人类学、艺术市场学、音乐鉴赏、现代艺术传播与媒体研究等。对综上这些课程的课时配比需依据美术教育专业人才培养的目标以及各学校资源的整合、综合利用的整体考量之后来设计。建议在第一部分基础文化类课程中做到文理兼容，理论性与应用性相结合。在第二部分普通教育基础理论类课程中，尽可能做到对先进的教育理念与经典的教育理论综合阐释，兼容并蓄使其具有包容性。在第三部分美术教育理论与教学实践类课程中，应尽可能多的展示国内外最优秀的美术教育理论与教学方法。做到理论与实践相结合，学习、研究与调研、总结相结合。在第四部分美术理论与专业实践类课程的设置中，应以前瞻的眼光来看待发展中的美术文化，以作为素质教育要求下的中小学生的美术需求为出发点，以美术教师综合的现代美术能力的培养为目标来设计。在第五部分艺术文化素质拓展类课程的设计中，应充分的考虑到现代美术教师应具有的艺术文化素养的广博性和可延展性。具体到每个课程板块的比重，因第一、第二部分为国家调控课程，已基本固定。第三、四、五部分的课程内容应至少是等分的比例。其中第三部分美术教育理论与教学实践课程的比例应保持2：3左右。第四部分则较为复杂，建议美术理论课程与美术实践课程的比例为2：1；美术理论课中传统美术文化与现代美术文化的比例应保持2：3左右；创造性、实验性美术实践课程与传统技法实践课程内容的比例至少保持1：1的比例，甚至2：1。在美术实践课程中民间美术的研究与实践内容应占到其总内容的1/4左右。现代美术信息的收集与整理，创造与管理也应该在所有课程中有所涉及。第五部分艺术文化素质拓展类课程应兼顾到传统与当代、理论与生活实践相互补的原则。如此设计与配比是基于对现代美术师范生的自身素质的需求而考虑。总体设计理念是立足当代美术文化的多元性与包容性，以美术的发展为前瞻，以美术文化的传统为滋养。也只有具备了当代意识的美术教师，才能在美术传播中紧密的联系生活，发觉现实世界的审美本质。

二、现代高等美术学院美术教育专业课程实践研究

明确了美术教育专业课程组织的方法与原理，还应该对不同的美术课程实践有一定的理解和认知。课程的实施包括课程定位、课程研究、课程实践、课程总结与评价四个部分。

1.课程定位是课程实践的基础。每一门课程都具有自己独特的价值，具有不可替代的设计目的。特定的课程针对受教者产生不可估量的积极作用，同时也促使受教者在某一方面得到完善与发展。每一门课程与其他课程都具有关联性，相互联系、相互补充、互为基础。认识每一门课程的目的、意义与价值是进行课程实践的开始。在美术教育理论与教学实践课程中所罗列的美术教育史、美术教学方法论、美术教学实践（或美术教育见习与实习）、现代美术教育研究与论文写作课程就具有关联性。其中美术教学方法论是美术教学实践的前提和指导。美术教学实践是美术教学方法论的具体应用与检验。美术教育史是理论与实践知识的补充，现代美术教育研究与论文写作则是所有这些课程的总结与深化。这几门课程的安排也应由浅入深，由理论到实践，再由实践到理论总结。

2.课程研究是针对不同课程的具体内容、秩序、组织、知识点、难点、重点的深入研究和思考。对课程的深入研究是课程实施的关键和保障。比如在美术理论课程中，美术史的内容就应该有所侧重。因为课程时间的限定，合理分配教学内容就成为一个新的课题。对于非艺术史论专业32课时的西方美术简史授课内容里，西方传统美术文化与现代美术文化的内容合理的比例应该是40%比60%。而在中国美术简史的教学中，32课时的教学时间里对中国传统美术文化与现当代美术文化的比例则应该是70%比30%左右才更合理。在美术实践课程里，自由绘画的提出和设立则意在模糊传统的国画、油画、版画等狭隘的画种界限。鼓励学生自主的选择工具媒介，自觉的寻找适合自己的艺术造型语言。从而自由的吸纳更多元的美术技巧，创造更为原创的、丰富的视觉信息。

3.课程实践是对课程的具体实施和体验。不同的美术课程实施的方法存在极大的差异，没有绝对的正确与标准。教师在课程实践的过程中应保持主导的地位，参与与旁观相结合。理论性课程建议以学生课外的资料收集、整理，加课堂讨论为主。教与学双方提出问题以学生自主研究并解决问题为目的。美术史类的课程则建议以比较美术的方法来展开。实践类的课程也由学生自己提出方案，学生个体独立实践与集体小组实践相结合。教师适时地旁观与指导整个过程，但不能生硬地左右学生的实践成果。

4.课程总结与评价是课程实施的最后一个环节，也是理性的思考课程实施中的具体问题与客观的界定课程得失的重要环节。评价则包含两个部分。一是对课程实施的评价，另一个是对课程中学生学习的评价。建议课程实践中及时记录相关信息和整个过程。课程结束时总结得失，并记录下学生的学习感受，思考存在问题并解决问题。对课程中学生的学习评价则应该以形成性评价为主，既对学生在本课程学习行为的开端与整个过程以及学习结束为终止的所有表现如实的记录。以学生本人的学习态度、学习进展的程度来综合评定其学习成绩。美术教育课程的设计、构成与实施并不能如此简单的归纳与梳理便得以完整和清晰的。它基于对现代教育理念、国情特色与人文素质发展的需求而来，这些因素相互矛盾、互相磨合且互相妥协。

篇（11）

“最近发展区”理论，由前苏联心理学家维果茨基提出，该理论从心理学的角度出发，对儿童学习和认识发展的内部联系进行了重新阐释，突出强调了社会、环境等因素对认知过程的影响，属于其社会文化理论（Sociocutural Theory）体系的重要组成部分。如今，“最近发展区”理论在心理学和教育学等各个领域获得广泛认可和应用，如何基于“最近发展区”理论建立符合当前素质教育要求的教学模式，是美术教育工作者需要思考的问题。

一、基于“最近发展区”理论的美术教学模式探讨

1、美术教学目标设计

教学目标设计是教学模式设计的关键，对教学模式起到整体的指向性作用，决定教学模式的基调。本文从实际教学实践出发，结合维果茨基“最近发展区”理论，对美术教学的教学目标进行了设计，可从以下几个层面进行分析：

基础知识和技能。基础知识和技能，是美术教学的首要目标，要求学生通过美术相关课程的学习，了解美术史、美术理论、优秀美术作品等知识，掌握基础的美术绘画技能。需要指出的是，当前美术教学中，受到应试教育等因素的影响，过分强调了学生对基础知识和技能的掌握，甚至将其作为最终的教学目标，这是严重错误的。基础知识和技能的掌握并不要求学生做到精通和高超，而应作为基础的教学目标，为提升学生审美素质提高基础支持[3]。

教学方法的设计。维果茨基在“最近发展区”理论中，揭示了学生认识机制发展的内在规律，强调了教学的“中介”作用，因此，美术教育应进一步将学生作为主体，注重学生认知水平发展、形成、提高的过程。基于此，美术教师应进一步加强分层教学、互动教学、个性化教学等现代课堂教学策略，首先全面掌握每位学生现有的发展水平，再根据其个体差异，采取不同的教学方法和目标设计，将课堂交给学生，培养学生自我认识、调节、构建、提升的能力。

审美素质及价值观培养。通过美术等艺术类课程的教育，完成学生健全人格塑造、正确价值观建立和审美素质培养等任务，是美术教学的最终教学目标。日常教学中，美术教师应跳出“应试教育”、“填鸭式教学”等陈旧的教学模式，通过进行美术作品欣赏解析、小组讨论、美术馆参观、美学理论了解等，陶冶情操，扩展学生视野，力求学生能够形成对真善美的正确认识，形成对不同流派美术作品的鉴赏和批评能力，实现教学目标的升华。

2、基于“最近发展区”理论的美术教学实践分析

基础知识认知、扩展。学生首先需要进行美术基础知识的积累，才能在此基础上进行提出问题、独立思考、解决问题的认知进展[4]。在最近发展区理论指导下，美术教师应改变传统单向传授的教学模式，采用故事引导、情境模拟、作品解析等引人入胜的教学模式，以学生作为主体，引导学生自主的进行知识获取，主动掌握新知识。

话题讨论，解决问题。根据学生情况进行学习小组的划分，在学生完成基础知识的了解之后，要求其分组进行话题讨论。话题的设置是小组讨论教学的重点，需要美术教师在课前做好准备，话题应保证由浅入深，从现有基础上略有提高，延伸出下一阶段的教学内容。学生在讨论过程中，可以加深对基础美术知识的记忆和理解，产生新认知和观点。

参观美术展览。美术是视觉的艺术，要想使得学生形成美术审美水平的提高，定期进行美术馆、画展、博物馆、毕业设计展等美术作品展览的参观，是必不可少的重要过程。参观过程中，教师需要提前向学生提出问题，让学生带着问题进行参观，避免走马观花。教师可适当进行美术作品的讲解，让学生在直观的感受中学习知识。参观后，对提出的问题进行讨论，发表当下即时感受，可有效激发学生的学习和审美潜能，实现常规课堂教学难以达到的效果[5]。

教学评价。“最近发展区”理论指导下的美术教学评价，不应只注重对分数的考核，还要注重学生发展进步的过程，以发展的眼光看待和评价学生，着重对学生自我分析和解决问题能力的评价，突出对每个学生的个性化评价，不一概而论。

二、结语

本文结合作者的实际教学工作经验，基于“最近发展区”理论，对当前美术教学模式的设计进行了分析和探讨，以期推动美术教育的发展，实现素质教育。从分析“最近发展区”理论出发，本文提出了美术教学应以学生为主体、发挥教师“中介”作用、加强分层、互动、情境教学模式应用、着眼学生学习发展过程进行评价等措施。美术教学是素质教育的重要组成部分，其教学模式的改变需要美术教育者的长期坚持，不断实践和改善，才能实现观念和方法的全面转变，实现美术教学水平的提高。

参考文献：

[1]王颖.维果茨基最近发展区理论及其应用研究[J].山东社会科学，2013，12（3）：180-183.

[2]南京师范大学附属实验学校张韶山.“最近发展区”理论在美术教学中的运用[N].江苏教育报，2013，08（3）：3-4.